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E o mais novo Patrimônio Cultural da Humanidade é Sergipano!

2010-08-03T06:35:00.000-07:00

A Praça São Francisco em São Cristóvão (SE), é o mais novo patrimônio cultural da humanidade. A decisão foi anunciada na tarde deste domingo,1º, em Brasília, onde se reúne o Comitê do Patrimônio Mundial da Unesco (Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura). São Cristóvão,

fundada em 1590, é a quarta cidade mais antiga do Brasil. Logo depois de ter sido informado da decisão da Unesco pelo ministro da Cultura, Juca Ferreira, o governador Marcelo Déda, que estava em Sergipe, recebeu um segundo telefonema, desta vez do presidente Luiz Inácio Lula da Silva. “Foi uma vitória do Brasil”, disse Lula. Para o presidente, o título é importante para Sergipe e para a preservação do patrimônio histórico do Brasil. Para Déda, foi uma “grande vitória da cultura de Sergipe e para a história do Brasil”. Além do agradecimento especial ao presidente da República, o governador destacou a atuação do ministro da Cultura, Juca Ferreira, e do presidente do Iphan (Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional), Luiz Fernando de Almeida.

São Cristóvão

De acordo com o governador, “a concessão do título pela Unesco ajuda a preservar este tesouro, fortalece o turismo cultural e eleva a autoestima do povo sergipano. A decisão de hoje confirma São Cristóvão como berço de Sergipe e patrimônio da humanidade. O Governo de Sergipe, que já vinha investindo na preservação do patrimônio de São Cristóvão, assumirá sua responsabilidade de buscar parcerias com o governo federal e incentivar novos investimentos”. Ainda de acordo com o governador, estes investimentos “não devem se resumir à questão patrimonial, mas devem alcançar políticas públicas que melhorem a qualidade da vida do povo sãocristovense. Até porque este povo é proprietário e guardião deste tesouro. Mais investimentos em saneamento, em infraestrutura, que façam com que a vitória se transforme em ganhos de qualidade para toda a população”.

Brasil: 18º patrimônio

A praça era a única inscrição brasileira nesta 34º sessão anual do Comitê. O Brasil, agora, tem 18 patrimônios da humanidade na lista da Unesco. O centro histórico da cidade de Goiás (GO) foi a última inscrição brasileira aceita pela organização, na sessão de 2001. Patrocinada pelo governo brasileiro, a candidatura da Praça São Francisco teve o apoio do Governo de Sergipe, que atendeu as principais exigências da Unesco, sobretudo a restauração e a preservação do patrimônio arquitetônico. O Governo do Estado providenciou, ainda, a elaboração de Plano Diretor (junto com a prefeitura) e uma nova iluminação, além da recuperação do acesso rodoviário. Presente ao Congresso da Unesco, o secretário de Estado da Casa Civil, Oliveira Júnior, comemorou a obtenção do título de Patrimônio da Humanidade. “O mundo reconhece o valor histórico da Praça e do seu entorno, construções do século XVII que testemunham a influência da colonização espanhola no Brasil. A Unesco endossa a relevância histórica das edificações da cidade de São Cristóvão, mas ao mesmo tempo nos alerta para a nossa responsabilidade de conservar esse patrimônio e apresentá-lo da melhor forma aos turistas de hoje, mas com o cuidado de conservá-lo para as futuras gerações”, enfatizou. Também presente ao Congresso, a secretária de Estado da Cultura, Eloísa Galdino, lembrou os esforços enviados pelo Governo do Estado na conquista da candidatura. “A cultura sergipana tem passado por enormes conquistas. Prova disso, é a nossa vitória na candidatura da Praça. Mobilizamos a população, fizemos uma verdadeira frente de campanha e agora é Sergipe que tem a ganhar. Eleita, a Praça São Francisco torna-se o 18º patrimônio brasileiro a receber a chancela de patrimônio mundial. Essa é mais uma prova de que a cultura de Sergipe está definitivamente na cena internacional”, afirmou.

Influência espanhola

O Governo de Sergipe investiu também na pesquisa histórica dos monumentos. “Na proposta de inscrição que apresentamos junto à Unesco estão incluídos registros históricos inéditos, recolhidos no Arquivo Histórico de Simancas, na Espanha, onde se comprova a relação entre a Espanha [durante o reinado de Felipe II (1580-1640)] e a Capitania de São Cristóvão, num documento de 1605”, descreveu o governador. O conjunto arquitetônico de São Cristóvão, implantado no início do século XVII, é constituído de edificações públicas, religiosas e privadas. Hoje, abriga, entre outros, o Museu Histórico de Sergipe (antigo palácio provincial), o Museu de Arte Sacra de São Cristóvão (antigo convento de São Francisco) e a Santa Casa de Misericórdia, além de igrejas de ordens religiosas, sobrados e becos.

O site da campanha da Praça: http://pracasaofrancisco.se.gov.br

A Grande Serpente e os 33 anos do Grupo Imbuaça

2010-07-27T18:32:00.001-07:00

Texto: Suyene Correia / Fotos: Vinícius Fontes/Divulgação
matéria publicada no site do Jornal da Cidade

No dia 28 de agosto do corrente ano, o Grupo Imbuaça estará comemorando 33 anos de existência e resistência. São mais de três décadas de luta, sacrifício e dedicação à arte cênica de rua, sobretudo, ainda que alguns de seus 14 espetáculos de repertório tenham sido adaptados para o palco.

Para brindar em grande estilo a passagem de mais um jubileu, o grupo este mês de julho, estará estreando a peça “A Grande Serpente” do dramaturgo potiguar, Racine Santos, sob a direção geral do conterrâneo João Marcelino. Serão apenas duas apresentações no Teatro Tobias Barreto, às 21h, sendo a primeira no dia 27 de julho (para convidados e público em geral) e a segunda, dia 28 de julho (para o público em geral).

João Marcelino, que já dirigiu o Imbuaça em “A Farsa dos Opostos” (1992), “Chico Rei” (1995), “Auto da Barca do Inferno” (1997) e “Senhor dos Labirintos” (1999), volta a ocupar o posto de diretor do grupo, após uma década, além de ser responsável pela concepção do figurino e cenários.

Em “A Grande Serpente”, a história se passa em meio à caatinga, num povoado isolado, a partir do momento em que a seca começa a castigar os habitantes do local, por conta do inexplicável esvaziamento da fonte provedora de água.

O coronel do lugarejo, Arão, procura explicação para o problema. Ele é alertado pela louca, Joana, que ele próprio, sem saber, é o causador da desgraça que se abate sobre o lugar. Tudo isso parece estar ligado ao seu casamento com Tamar, envolto em tons trágicos edipianos.

“A ação toda da peça, o tempo inteiro, reforça onde aquelas figuras estão localizadas. Estão no meio de uma caatinga, um local intransponível onde ninguém consegue entrar e nem sair.

Naturalmente, que interpretamos isso como uma grande metáfora. Que universo é esse? Que poço é esse que seca? E para que ele torne a estar cheio, ele depende de uma única coisa: que o trágico daquela família seja resolvido. No momento em que a verdade é revelada, a cidade volta a ter paz, o poço enche, ‘a grande serpente’ desaparece. Enfim, o espetáculo funciona como uma alegoria bem interessante”, explica João Marcelino, que recebe um suporte na direção do ator Lindolfo Amaral.

O diretor, inclusive, iniciou uma relação profissional com o grupo Imbuaça, na época em que foi montada “As Irmãs Tenebrosas”. Foi no final dos anos 80, quando o diretor Marcelo Souza convidou-o para trabalhar na montagem desta peça, que João Marcelino conheceu de perto os atores Mariano, Rivaldino, Carlos Maria das Dores, Isabel Santos, Antônio Campos, Antônio Augusto, Lindolfo Amaral e Valdice Teles.

“Por conta de um imprevisto, o Marcelo Souza não dirigiu este trabalho, mas fui convidado para compor o figurino. Já tinha assistido apresentações do grupo em Natal e Campina Grande, mas a gente não tinha cruzado os caminhos de forma mais próxima. A partir desse trabalho bem sucedido, fui convidado, então, para dirigir um espetáculo. O primeiro foi “A Farsa dos Opostos”, diz.

A experiência foi um divisor de águas na história do grupo, sobretudo, sob o ponto de vista estético. A parceria deu tão certo, que João Marcelino dirigiria mais três grandes espetáculos, tendo como ápice “Senhor dos Labirintos”.

“Experimentei peças de vários estilos com o grupo sergipano: espetáculos de rua, sobre tablado, campais... ‘Senhor dos Labirintos’ foi um grande espetáculo, mas que poderia ter sido mais bem maturado. Acredito que esse tempo de maturação, de ajuste, conseguimos ter agora com ‘A Grande Serpente’”, explica João Marcelino.

Desde o mês de janeiro que os atores vêm se preparando para a montagem desse texto de Racine Santos. Os ensaios seguiram quase que diariamente com uma pausa em fevereiro/março e retorno das atividades em abril. Parte desse trabalho aconteceu sob a supervisão de João Marcelino. Na sua ausência, Lindolfo Amaral foi incumbido de coordenar o grupo.

Contando com o patrocínio da Secom do Estado, através do Fundo Estadual de Patrocínio para Projetos Sócio-culturais e de Comunicação Social e com o apoio da Secretaria de Estado da Cultura (Secult) e Sebrae “A Grande Serpente” tem elenco formado por Isabel Santos, Iradilson Bispo, Manoel Cerqueira, Luciano Lima, Rita Maia, Rosi Moura, Késsia Mecya, Talita Calixto e Carlos Wilker. A iluminação será assinada por Denys Leão e a trilha ficará a cargo de Eduardo Pinheiro e João Marcelino. O projeto gráfico ficou a cargo de Mingau e as fotos Vinícius Fontes.

Concepção das máscaras Iradilson Bispo; preparador vocal, Pablo Macedo e operação de som, Rogers Nascimento.

Trajetória do Imbuaça

A perseverança parece ser a marca do Grupo Imbuaça que nasceu com o nome de “Aspectrus”, em 1977, fruto de uma oficina de teatro promovida pela Secretaria de Educação e Cultura. O nome logo mudaria para Imbuaça, em homenagem ao embolador, Mané Imbuaça, visitante ilustre dos ensaios do grupo de teatro, morto misteriosamente na Praia de Atalaia.

Sempre tendo como elemento fundamental para a construção da dramaturgia, a literatura de cordel, a primeira peça encenada pelo grupo foi “O Matuto com Balaio de Maxixe”, uma adaptação de Antônio Amaral. A partir daí, cerca de 30 espetáculos já foram montados pelo grupo que, atualmente, apresenta como atores fixos, Lindolfo Amaral, Isabel Santos, Iradilson Bispo, Manoel Cerqueira, Luciano Lima, Rita Maia, Rosi Moura, Kessia Mecya, Talita Calixto e Carlos Wilker.

“Completar 33 anos de atividades ininterruptas com teatro de rua, num país como o nosso, é um ato de resistência. Somos uma referência nacional desse tipo de representação cênica, assim como é o pioneiro Teatro Livre da Bahia, fundado em 1968 e extinto em 1980. No entanto, continuamos nossa jornada e influenciamos o surgimento de grupos em outros Estados, a exemplo do Alegria, Alegria de Natal, Quem Tem Boca Pra Gritar de Campina Grande e Joana Gajuru de Maceió”, explica Amaral.

Inicialmente, com peças voltadas para a rua, o Imbuaça foi criando adaptações para espaços fechados e deu certo também. “Teatro Chamado Cordel” (1979) e “A Farsa dos Opostos” (1992) foram os dois espetáculos até hoje mais requisitados para apresentações. Já “Senhor dos Labirintos” (1998) que retrata a história de Arthur Bispo do Rosário, mostrando como binômio loucura e criação caminham juntos, foi um dos grandes sucessos na carreira do Imbuaça, sendo respaldado tanto pelo público como pela crítica.

A última grande montagem do grupo foi o espetáculo “Desvalidos” baseado no livro homônimo de Francisco Dantas, que recebeu o patrocínio da Petrobras. Encenado uma série de vezes, desde que estreou em junho de 2004, a peça foi dirigida por Rodolfo García Vazquez e teve como diretor de arte Fábio Namatame. Com trilha sonora idealizada por Joésia Ramos, Desvalidos na visão de Lindolfo Amaral foi uma boa adaptação do livro de Chico Dantas.

No ano passado, o grupo encenou “O Mundo Tá Virado, Tá no Vai ou Não Vai. Uma Banda Pendurada, a Outra em Breve Cai” onde a cultura popular contemporânea é o foco principal. A encenação orienta-se na forma tradicional e ingênua do teatro de rua, enfatizando sobremaneira o trabalho de ator e sua capacidade de prender o público que passa.

O texto adaptado por Iradilson Bispo, que também assinou a direção, figurino e trilha sonora, é simples e de fácil comunicação, reunindo fragmentos da literatura de cordel, alinhavados pela música e pela dança folclórica. Desta forma, o Imbuaça segue a sua pesquisa de linguagem em torno do personagem-tipo, mergulhando também no vasto universo da Cultura Contemporânea.

Site do Grupo Imbuaça

O azar consome a The Baggios? De jeito nenhum!

2010-07-23T07:49:00.000-07:00

A The Baggios é uma banda sergipana. Um duo composto por guitarra e bateria. Respectivamente Júlio Andrade e Gabriel Carvalho. A banda nasceu em 2004, na cidade histórica de São Cristóvão. Tem a peculiaridade de ser formada por apenas dois integrantes: Julio Andrade (guitarra e voz) e Gabriel Carvalho (bateria). A dupla bebe pincipalmente do Blues, mas passeia também pelo Rock e Garage. As letras são simples e o som direto, sem firulas. A dupla já se apresentou em festivais como Big Bands (SSA), Música para todos os ouvidos(SSA), Projeto Verão (SE), Festival Mundo (JP), Festival Dosol (RN), Feira Noise(BA), fez uma turnê de 6 shows pelo Nordeste e acabou de fazer uma turnê de 7 shows pelo estado de São Paulo e está em fase final de mixagem do seu Disco Oficial.

01. O Azar Me Consome

02. Can’t Find My Mind

03. Canção dos Velhos Tempos (Jam Version)

DOWNLOAD AQUI

Ficha Técnica

Júlio Andrade: Guitarras e voz

Gabriel Carvalho: Bateria

Fotografia por Snapic

Arte Gráfica por Júlio Andrade

Mixado por Léo Airplane e Júlio Andrade

Faixa 01: Gravada no Estúdio C4, São Paulo-SP, em março de 2010

Faixa 02: Gravada no Estúdio Caranguejo Records, Aracaju-SE, em fevereiro de 2010

Faixa Bônus: Gravada ao vivo no Estúdio DdB. Participação de Igor Cortês tocando flauta. Aracaju-SE, maio de 2009

texto do blog O INIMIGO

"54-46 was my number!!!"

2010-07-05T06:30:00.000-07:00

This Is England (de 2006) escrito e dirigido pelo diretor Shane Meadows é um filme que conta a história de um grupo de skinheads ingleses na década de 80, mostrando perfeitamente como a cultura skinhead esteve intimamente ligada com a cultura musical negra jamaicana e como a infiltração de grupos nacionalistas de extrema direita vieram deturpar todo esse estilo de vida.

Além de ser um grande filme, This Is England tem outro trunfo fortíssimo na manga... A trilha sonora é um show à parte! Uma coletânea de Rock, Ska, Soul, Rocksteady e Reggae de altíssima qualidade! Confesso que fiquei emocionado quando ouvi "54-46 was my number" do Toots & The Maytals logo nos créditos iniciais do filme. Da mesma forma The Smiths nos créditos finais deixa coração apertado. É isso, baixem a trilha sonora, assistam o filme, é muito bom!

This Is England Soundtrack (2007)

01-Toots and the maytals - 54-46 was my number
02-Dexys midnight runners - come on eileen
03-Soft cell - tainted love
04-Underpass flares (dialogue)
05-Gravenhurst-nicole
06-Cynth dad (dialogue)
07-Al murray and the cimarons - morning sun
08-Shoe shop (dialogue)
09-Toots and the maytals - louie_louie
10-Toots and the maytals - pressure drop
11-Hair in cafe (dialogue)
12-The specials - do the dog
13-Ludovico einaudi - ritornare
14-This is england (dialogue)
15-The upsetters - return of django
16-Uk subs- warhead
17-Ludovico einaudi - fuori dal mondo
18-Strawberry switchblade - since yesterday
19-Tits (dialogue)
20-Percy sledge - the dark end of the street
21-Ludovico einaudi - oltremare
22-Clayhill - please please please let me get what i want
23-Ludovico einaudi - dietro casa
24-Gavin clark - never seen the sea

Sinta a essência aqui.

Luiz Gonzaga canta Sergipe

2010-05-27T18:57:00.000-07:00

por Amâncio Cardoso[1]

A música popular brasileira teve em Luiz Gonzaga (1912-1989) um de seus mais significativos representantes no século XX. É unanimidade dizer que ele foi o maior cantador do Nordeste. Em Pernambuco, seu estado natal, é considerado um ídolo. Enfim, o velho “Lua”, apelido carinhosamente atribuído por um amigo em 1941, foi um daqueles poucos artistas incontornáveis quanto a sua contribuição para a cultura nacional. Suas canções são patrimônios incontestes. Por seu legado, ele recebeu várias homenagens pelo país: estátuas, bustos, títulos, museu, memorial, parque, ruas, praças e sites. Em Aracaju, por exemplo, temos o Gonzagão; um freqüentado espaço cultural da cidade.

Mas o “rei do Baião”, título que conquistou no auge do sucesso, além de ser homenageado por sua obra, também fez homenagens, a exemplo de Sergipe. Assim, personagens, lugares e costumes de nosso estado estão representados em algumas de suas músicas. Talvez, isto tenha sido uma forma de agradecer o carinho com que era aqui recepcionado; ou ainda se configure um indício das boas lembranças que nosso estado lhe deixara. Vejamos, então, como Sergipe comparece no cancioneiro do mestre de Exu.

Aqui, nas terras sergipenses, Luiz Gonzaga mantinha algumas amizades. Dentre elas, a de Pedro Chaves, ex-prefeito de Propriá. Para seu amigo, ele compôs “Forró de Pedro Chaves” (Luiz Gonzaga, 1967, RCA Victor). A letra narra uma festa, de “parar o comércio” com fogueira, ronqueira (arma com pólvora que detona com estrondo), zabumba, bebidas e forró na casa do Sr. Chaves, na cidade ribeirinha. Anuncia-se um típico forrobodó, baile popular, comum na zona rural do Nordeste e, especificamente, de Sergipe. Desse modo, a lembrança que traz do Pedro Chaves é seu espírito festeiro; o que muito agradava ao rei do baião que já cantara e tocara na fazenda Cabo Verde, em Própria, do seu amigo e então prefeito da cidade.

Além do político propriaense, Gonzagão - outra alcunha por ele utilizada – cantou também em ritmo de baião “Propriá” (Guio de Morais e Luiz Gonzaga, 1951, RCA Victor). Nesta música, Gonzaga manifesta a intensa saudade e o desejo de retorno à cidade. Lá, conforme a letra, ele deixara tudo de que dependia: a família, o roçado e a amada. Por isso, o baião termina assim: “a minha vida tá todinha em Propriá”.

Em meados do século XX, época em que foi composto o baião, Propriá era uma das principais cidades de Sergipe. Centro regional do Baixo São Francisco, cujo comércio, rizicultura e indústria têxtil dinamizavam a economia local. Luiz Gonzaga, por sua vez, fazia várias apresentações na “princesa do São Francisco”. Em 1955, quatro anos após gravar “Propriá”, mestre Lua emprestou seu nome a uma praça da cidade. Homenagem, evidentemente, do então prefeito e fã Pedro Chaves.[1] Durante esse período, eram freqüentes as visitas à fazenda do líder político, de onde Luiz Gonzaga se dirigia para shows em praças e cinemas de Propriá.[2]

Outra cidade sergipana, na região sob influência de Propriá, também foi cantada por mestre Lua: “Malhada dos Bois” (Luiz Gonzaga e Amâncio Cardoso, 1957, RCA Victor). Malhada fica a 82 Km de Aracaju e se tornara cidade em 1953. Segundo se sabe, Luiz Gonzaga começou a escrever sobre o pequeno povoado ainda na fazenda do já referido amigo Pedro Chaves, na zona rural de Propriá. A letra discorre sobre um convite de um enamorado à sua amada: “vamos fugir, meu amor/ para Malhada dos Bois”, lá o personagem pretendia casar e “ter filhinhos depois”.

A fuga de casais era costume praticado pelo nordestino, cujo namoro era impedido pela família da pretendida. Fugir era o primeiro passo para consumação do casamento contrariado. Certamente, a única atração da então pequena povoação sergipana seria o abrigo bucólico, próprio para casais em fuga, onde hoje ainda existem os refúgios da fonte de Itapicuru e de pontos da Mata Atlântica, cuja pastagem ou malhada para o gado bovino ainda não as extinguiu.[1]

Além de Própria e Malhada dos Bois, mais uma cidade sergipana foi evocada pelo sanfoneiro do Araripe. Trata-se de Canindé de São Francisco. A música “São Francisco de Canindé” (Julinho e Luiz Bandeira, 1977, RCA) alude à proteção do santo que, enchendo o rio, acaba com a seca no sertão, tema caro na musicografia gonzagueana. Na canção, o povo de Canindé ora com fé a pedir chuva, pois o rio virara “um deserto de pedra e pó/ a noite se avermelhou/ de tão quente o céu e o chão”. Cena tradicional nos diversos ciclos de seca por que passou o Nordeste. Mas os pedidos fervorosos de chuva aos santos são eficazes na cultura católica sertaneja. Assim, portanto, finaliza a toada: “De repente choveu bonito/ O rio encheu de fazer maré (...). Fazer bem é seu poder/ São Francisco em Canindé”. Porém, mais do que a irregularidade do tempo ou força da intervenção divina, sabe-se que a população nordestina amargou sucessivos desgovernos de órgãos e autoridades públicas que se ocuparam da seca ao longo do século XX.[2]

As três cidades sergipanas homenageadas no cancioneiro de Gonzagão ficam na região do Baixo São Francisco. Canindé, no entanto, é a mais distante da capital, a 200 Km, na micro-região do sertão sanfranciscano. Contudo, a Canindé recitada por Luiz Gonzaga não existe mais. Ela foi inundada em decorrência da construção da Usina Hidrelétrica de Xingó, em fins da década de 1980. Uma nova Canindé foi construída noutra área mais elevada, a quatro quilômetros da sede anterior. Atualmente, o município é um dos atrativos turísticos de Sergipe, justamente por oferecer, entre outras coisas, culinária ribeirinha, banhos e passeios pelos cânions e lago formado pela barragem da usina.

Entretanto, se antes a região vivia o dilema das secas, como expressa a música cantada pelo rei do baião, hoje o tema que também atormenta o Baixo São Francisco é a transposição fluvial para irrigar e abastecer zonas do Nordeste setentrional. Caso isto ocorra, conforme os adversários do projeto, nem com reza forte o rio voltará a ser vital para as populações ribeirinhas e cidades por ele abastecidas, como Aracaju.

Além do amigo e cidades sergipanas, Luiz Gonzaga também cantou lugares e monumentos de nosso estado, tais como a praia de Atalaia Velha e o estádio de futebol Batistão.

A praia de Atalaia, um dos nossos pontos turísticos mais importantes, foi homenageada na música “Adeus Iracema” (Zé Dantas e Luiz Gonzaga, 1962, RCA Victor). A toada menciona as principais praias do Nordeste e sobre a nossa diz: “Navega [oh! Jangada]/ No Nordeste pela praia/ (...)/ Quero ver minha Atalaia”. O narrador se identifica com nosso cartão postal, tomando-o para si e demonstrando intensa saudade do paraíso sergipano.

Em meados do século XX, quando a música foi escrita, a Atalaia se anunciava como a mais nova e atraente opção de lazer e veraneio de Aracaju.[1] Pois, desde a construção da ponte velha sobre o rio Poxim em 1937, ligando a capital ao então povoado de pescadores, os aracajuanos substituíram, paulatinamente, o banho ribeirinho pelo oceânico. Isto se acentuou após a inauguração, em 1957, de uma nova ponte sobre o Poxim para ligar o balneário de Atalaia e o aeroporto Santa Maria (1958) ao centro da cidade, facilitando o acesso dos turistas que aqui aportavam. Desde então, a velha Atalaia com casas de palha, coqueirais, areias alvas, mar aberto, além de bares e restaurantes com comidas típicas sempre foi o éden de poetas e cantadores, como Luiz Gonzaga.

Quanto ao Batistão - Estádio Estadual Governador Lourival Baptista –, principal praça de esportes de Sergipe e a mais moderna do Norte/Nordeste, à época, o velho sanfoneiro gravou seu hino. Na segunda estrofe, o rei do baião entoa: “No gramado do Batistão/ Enquanto o craque chuta a bola/ As crianças dão lição/ Nosso estádio tem escola/ O estádio de Sergipe/ É o mais completo da nação/ Dá ao povo futebol/ E à infância educação”. (Hugo Costa e Luiz Gonzaga, 1969).

Além do esporte bretão, o Batistão possuía dez salas de aula para atender 1.200 (mil e duzentos) alunos em três turnos, ou seja, educação e esporte estavam presentes no mesmo sítio como atividades complementares. Hoje, as salas são ocupadas por sedes de federações de esportes. Inaugurado em 09 de julho1969, um ano antes da conquista do tri-campeonato pelo Brasil da copa mundial de futebol no México, o Batistão é um marco na história do desporto sergipano. A seleção brasileira de futebol, inclusive, participou do jogo inaugural e venceu a seleção sergipana por 8x2. Na abertura oficial da solenidade, Luiz Gonzaga cantou o hino do estádio, momento inesquecível para quem participou da festa.[2]

Como se viu, o mestre forrozeiro homenageou amigo, cidades e lugares de nosso pequeno estado. Diante disso, será que já não seria oportuno agradecermos ao rei do baião, após vinte anos de sua “Triste Partida”, gravando um Cd com músicas exclusivas sobre nossa terra e, de preferência, cantadas por pratas da casa? Se isto ocorresse, seria um ponto positivo para divulgar Sergipe, aumentar nossa auto-estima e revigorar a “sergipanidade”.

[1] Melins, Murillo. Aracaju romântica que vi e vivi: anos 40 e 50. 3. ed. Aracaju: Unit, 2007. p. 267-274.

[2] Especial Batistão 40 anos. Cinform. Aracaju, edição 1.369, 06 a 12 de julho de 2009.

Aracaju Magazine, Aracaju, n. 135, p. 30-35, 2010

[1] CRUZ e SILVA, Maria Lúcia Marques & MENDONÇA, J. Uchoa de. Sergipe panorâmico. 2. ed. Aracaju: Unit, 2009. p. 299-300.

[2] VILLA, Marco Antonio. Vida e morte no sertão: história das secas no Nordeste nos séculos XIX e XX. São Paulo: Ática, 2000.

[1] DREYFUS, Dominique. Vida do viajante: a saga de Luiz Gonzaga. São Paulo: Editora 34, 2000. p. 196.

[2] ARAGÃO, Carlos R. Britto; PRATA, W. Luiz. Propriá 200 anos: notas e fotos do bicentenário. Aracaju: Sociedade Semear, 2002. p. 66.

[1] Professor e coordenador dos cursos de Turismo do Instituto Federal de Sergipe. E-mail: acneto@infonet.com.br

O Olho da Mão Camisaria e etc.

2010-05-12T05:48:00.000-07:00

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O Chico operário...

2010-05-05T06:26:00.000-07:00

Amou daquela vez como se fosse máquina

Beijou sua mulher como se fosse lógico

Ergueu no patamar quatro paredes flácidas

Sentou pra descansar como se fosse um pássaro

E flutuou no ar como se fosse um príncipe

E se acabou no chão feito um pacote bêbado

Morreu na contra-mão atrapalhando o sábado.

Chico Buarque em Construção

Construção foi o quinto álbum de Chico Buarque. Lançado em um dos périodos mais críticos da ditadura militar, ele é um marco de mudança no trabalho de Chico como compositor, onde ele começou a fazer críticas mais diretas ao regime militar, sendo alvo de censura em muitas das letras, como a faixa título. "Samba de Orly", composta em parceria com Vinícius de Moraes e Toquinho fala sobre o exílio, o que gerou sua censura parcial.

Um clássico do início ao fim, esse álbum de 1971 foi produzido por Roberto Menescau e traz as participações do grupo MPB-4 em 5 faixas e de Tom Jobim em uma. Traz muitas das canções mais conhecidas da carreira, e clássicas composições em parceria com Vinícius de Moraes: "Desalento", "Olha Maria (Amparo)", "Samba de Orly" e "Valsinha".

"Construção" foi eleito pela revista Rolling Stone o 3° melhor disco de música brasileira de todos os tempos, e também se encontra no livro "1001 discos para se ouvir antes de morrer" escritos por críticos musicais do mundo todo.

Podia nem ter todos esses atrativos, e ser indicado só por ser "mais um disco do Chico". Mas como todo clássico tem que ter lendas pra torná-lo inesquecível... Sejam bem-vindos ao canteiro de obras!

Chico Buarque - Construção [1971]

01. Deus lhe pague (C.Buarque)

02. Cotidiano (C.Buarque)

03. Desalento (C.Buarque/V.de Moraes)

04. Construção (C.Buarque)

05. Cordão (C.Buarque)

06. Olha Maria (Amparo) (C.Buarque/V.de Moraes/T.Jobim)

07. Samba de Orly (C.Buarque/Toquinho/V.de Moraes)

08. Valsinha (C.Buarque/V.de Moraes)

09. Minha história (Lúcio Dalla versão de C.Buarque)

10. Acalanto (C.Buarque)

Participações Especiais:

MPB-4 vocais nas faixas 1, 3, 4, 7 e 9.

Tom Jobim piano na faixa 6.

Sinta a essência AQUI.

Alessandra Leão

2010-04-17T22:07:00.000-07:00

Em meio à recente explosão de jovens cantoras cool, urbanas, muitas delas centradas no samba carioca, três anos atrás saltou aos ouvidos de alguns privilegiados o disco de estréia da pernambucana Alessandra Leão, Brinquedo de Tambor.

Ao invés de polimento, suavidade ou as sonoridades mais hype, o CD da ex-integrante do Comadre Fulozinha gritava sua aspereza, revelando também uma surpreendente compositora, com um raro frescor no manejo da música tradicional do litoral e Zona da Mata nordestina. O paralelo mais imediato para situar as referências seria o amigo Siba e sua Fuloresta do Samba, que também escondem por trás de sonoridades ancestrais uma radical atualidade.

Mas o disco de estréia, ainda que farto em contrapontos e usando algumas guitarras, ainda era um tanto reverente às tradições de que se apropriava. Pois neste novo CD - Dois Cordões, a coisa amadureceu como se décadas, e não anos, houvessem passado.
Nele, a idéia de arranjo e sonoridade (obra do produtor/arranjador/instrumentista Caçapa) é inseparável do resultado final: uma combinação 100% inédita dos timbres de três guitarras elétricas (de 6, 7 e 12 cordas), em camas quase nunca harmônicas, mas sim complexamente polifônicas. Tecidos sonoros que devem tributo tanto aos estudos eruditos europeus de contraponto e fuga quanto a escuta atenta dos mestres da música africana, igualmente polifônica e não-harmônica.

E essa meticulosa rede de vozes instrumentais é alicerçada à terra não por acaso por um místico (e mítico) trio de ilús: tambores de pela utilizados nos terreiros de Xangô (como é conhecido o candomblé em Pernambuco). E a moldura do disco é essa. Pouco mais, pra dar molho: um pandeiro aqui, caxixis ali, talking drums, güiro, ganzá, eventuais coros.

Só que nada disso seria mais do que curioso ineditismo se, sobre essa tessitura, não flutuasse como ave rara a voz de Alessandra. Uma voz por vezes doce e jovial, por vezes crestada numa alegria ancestral que ecoa essa gente simples dos interiores de Norte e Nordeste, gente que canta porque não sabe não cantar. Essa gente humilde e feliz, feliz de uma felicidade muitas vezes incompreensível para urbanos e/ou sulistas.

Mas do que fala essa voz? Sobre o que escreve essa compositora única, que abre as asas sobre o chão de terra e paira sobre o mundo, sobre sentimentos universais, sobre dramas de qualquer cidadão do planeta? Fala de (ser) par, de dualidade, de chegadas e de partidas. Fala de Ogum e de Iemanjá. De amor e violência, fogo e mar, tradição e contemporaneidade. África e América, elétrico e acústico.

Tensão e festa.
Fala de gente.
E é essa, acima de tudo a força desses Dois Cordões. É um disco de gente. Gente falando de gente.

Texto: Arthur de Faria

http://www.myspace.com/alessandraleao

ALESSANDRA LEÃO - Dois Cordões [2009]

01. Varanda
02. Boa hora
03. Bom dia
04. Atirei [Part. Jorge du Peixe/Nação Zumbi]
05. Fogo [Part. Victoria Sur e Florencia Bernales]
06. Luzia, rainha do baianá/ Tombo do navio
07. Trancelim
08. Andei
09. Partilha
10. Vou me balançar
11. Ai, dendê
12. Chave de ouro [Part. Kiko Dinucci]

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Ficha Técnica:
Alessandra Leão voz, pandeiro, caxixis e composições
Caçapa arranjos, producao musical e guitarra de 12 cordas.
Juliano Holanda guitarra de 6 cordas e vocal
Rodrigo Samico guitarra de 7 cordas e vocal
Carlos Amarelo Ilú, tama, triângulo, tamborim e vocal
Guga Santos Ilú, tama e vocal
Homero Basílio Ilú e caxixis

CONTATOS / CONTACTS:
Vitrô Recife Produções
55 81 81 92449612 / 91952181
vitroproducoes@gmail.com / dois.cordoes@gmail.com

Orchestra Baobab - Nijaay

2010-04-17T12:15:00.000-07:00

Música - Cultura - Mestizaje

2010-04-15T06:51:00.000-07:00

O Frontline Guerrilla Sonora é um soundsystem coletivo, vindo da Cidade do México, formado por Joaquín Echenique, Quique Macias, DJ Zeus e outros artistas convidados.

Os caras mantém a algum tempo um site muito interessante, sobre cultura de rua, música e política, o http://www.front-line.com.mx. A nova empreitada dos caras foi um EP com 4 sons, chamado No Suena Mal onde eles fazem um mix de reggae, drum'n'bass e hip-hop. Confira aê o trampo e a mistura interessante dos caras.

Myspace do coletivo

Frontline Guerrilla Sonora - No suena mal [ep]

1. Intro

2. Cuando

3. No suena mal

4. Coming soon (Featuring Lengualerta & Olinka)

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Os Afro-Sambas de Baden Powell e Vinícius de Moraes

2010-04-10T11:00:00.000-07:00

Pouco antes de morrer, em 2000, Baden confessava que não tocava mais o repertório de Os Afro-sambas. O violonista havia virado evangélico e dizia que alguns dos temas falavam do demônio, de coisas ruins e que por isso haviam sido esquecidos.

O primeiro encontro entre os dois é marcado de lendas e com várias versões. Mas o importante é saber que Vinícius ficou absolutamente seduzido pelo som de Baden e o convidou para formarem uma parceria. Mesmo assustado com o convite, Baden topou e praticamente morou três meses na casa do "Poetinha", onde escreveram várias canções, em 1962. A primeira leva tinha mais de 25 canções, e reza a lenda também, que além da parceria, Vinícius foi o "professor" de Baden em outra arte: a bebida. Regados à uísque, os dois continuaram compondo.
Vinícius estava encantando com o LP Sambas de Roda e Candomblés da Bahia, que havia recebido de presente de Carlos Coqueijo Costa. Baden também ficou impressionado com o disco e, por influência do capoeirista Canjiquinha, começara a freqüentar rodas de capoeiras e ia à terreiros e aprendia mais sobre o candomblé. A idéia de fazer um disco sobre o tema fascinou os dois.

Os dois começaram a escrever canções inspirados no tema: "Bocoché", "Canto de Xangô", "Canto de Iemanjá", "Canto do caboclo Pedra Preta" e o clássico "Canto de Ossanha", que faria sucesso anos depois navoz de Elis Regina. Baden, por sua voz, estava estudando cantos gregorianos com o maestro Moacyr Santos e percebeu que os cânticos afros tinham semelhanças e resolve produzir melodias que em cima das duas vertentes.
O projeto ficou engavetado e só viu a luz do dia, quatro anos depois, em 1966. Foi quando Vinícius ofereceu o projeto à Roberto Quartin, dono do selo Forma, que produzia discos extremamente sofisticado. Quartin topou de imediato a idéia de lançar Os Afro-sambas.
Gravado entre os dias 3 e 6 de janeiro, Quartin convidou o maestro Guerra Peixe, o grupo vocal Quarteto em Cy e um coral de "músicos amadores" formado por Nelita e Teresa Drummond, Eliana Sabino (filha do escritor Fernando Sabino), Otto Gonçalves Filho e César Proença e uma jovem aspirante a atriz chamada Betty Faria. E é Betty Faria que divide os vocais com Vinícius na imortal "Canto de Ossanha" que abre o disco.
Guerra Peixe optou por dar o disco uma sonoridade mais rústica, como se estivesse sendo, de fato, gravado, em um terreiro, o que acabou sendo um dos grandes charmes do disco, embora Baden criticasse justamente isso, anos depois, considerando o disco "mal gravado". Enquanto Vinícius murmura as letras quase em tom de súplica, Betty Faria reforça as sílabas finais de cada frase, além do acompanhamento do Quarteto em Cy em quase todas as faixas.

Baden era o responsável por climas todas as melodias e até cuidava da percussão. Seu toque inconfundível norteia a bela "Lamento de Exu", que encerra o disco, enquanto Vinícius voa quase solo em "Canto do Caboclo Pedra Preta". Aliás, Vinícius tentou cantar de maneira mais grave, como 'um preto velho", em faixas como "Canto de Xangô". Vale ressalatar "Bocoché", com um clima quase etéreo.
O disco rendeu excelentes críticas e vendagem e solidificou de forma definitiva a carreira de Baden Powell. Após a parceria com Vinícius, Bande deixou de ser um tímido músicos que vivia de pequenas participações na noite carioca para ser um músico mundialmente famoso e indo embora do Brasil definitivamente vivendo por mais de 20 anos na França e cinco na Alemanha.
Apesar de já estar definitivamente inserido como um dos mais importantes discos da música popular brasileira, o comentário de Vinicius de Moraes na contra capa do LP é mais elucidativo do que qualquer outra observação que se queira dar ao trabalho: "Essas antenas que Baden tem ligadas para a Bahia e, em última instância para a África, permitiram-lhe realizar um novo sincretismo: carioquizar dentro do espírito do samba moderno, o candomblé afro brasileiro dando-lhe ao mesmo tempo uma dimensão mais universal (...) nunca os temas negros de candomblé tinham sido tratados com tanta beleza, profundidade e riqueza rítmica ... " Fonte: Beatrix

Vocais: Vinicius de Moraes, Quarteto em Cy e Coro Misto
Sax tenor: Pedro Luiz de Assis
Sax barítono: Aurino Ferreira
Flauta: Nicolino Cópia
Violão: Baden Powell
Contrabaixo: Jorge Marinho
Bateria: Reisinho
Atabaque: Alfredo Bessa
Atabaque pequeno: Nelson Luiz
Bongô: Alexandre Silva Martins
Pandeiro: Gilson de Freitas
Agogô: Mineirinho
Afoxé: Adyr Jose Raimundo
Produção e direção artística: Roberto Quartin e Wadi Gebara
Técnico de gravação: Ademar Rocha
Contracapa: Vinicius de Moraes
Fotos: Pedro de Moraes
Capa: Goebel Weyne
Arranjos e regência: Maestro Guerra Peixe

A1 Canto de Ossanha - 03:23
A2 Canto de Xangô - 06:28
A3 Bocoché - 02:34
A4 Canto de Iemanjá - 04:47
B1 Tempo de amor - 04:28
B2 Canto do Caboclo Pedra-Preta - 03:39
B3 Tristeza e solidão - 04:35
B4 Lamento de Exu - 02:16

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Vielle Canaille

2010-04-06T07:36:00.000-07:00

... Um cara que largou os riscos de lado e viveu intensamente cada segundo de sua vida. Axo que essa é a primeira definição que vem a minha cabeça quando falo de Serge Gainsbourg (1928-1991).

Gainsbourg foi um talentoso compositor francês, que passou com autoridade de mestre pelos mais variados estilos. Gravou do jazz ao reggae, passando pelo rock. Também fez trilhas sonoras para o cinema, chegando até a atuar em alguns filmes; mas o seu maior personagem era ele próprio. Viciado em cigarros e álcool (as lícitas), o cara colecionou escândalos e amantes durante toda a sua vida. Por sua cama passaram algumas das mulheres mais bonitas do mundo das décadas de 60 e 70, como Jane Birkin (com a qual teve uma filha, Charlotte Gainsbourg), Brigitte Bardot, Françoise Hardy, Catherine Deneuve, Vanessa Paradis, Isabella Adjani, France Gall. Sua personalidade era tão conturbada que suas músicas só faziam sucesso cantadas por outros artistas, ou anos depois.

No final da década de 70, quando o rock começou a invadir a França, Gainsbourg (sempre na contracorrente) viajou para a Jamaica, onde se apaixonou pelo reggae, e com a ajuda dos renomados produtores Sly Dunbar e Robbie Shakespeare gravou uma sequência fantástica de discos de reggae, que aliado ao seu francês se tornariam obras primas. Justamente no primeiro disco gravado na ilha caribenha surgiu mais uma polêmica na vida dele: O cara regravou uma versão em reggae, verdadeira "descontrução" do hino nacional francês, A Marselhesa, que foi duramente criticada por jornalistas e políticos franceses. Nada que atingisse uma figura que sempre viveu cercada de polêmicas.

Serge Gainsbourg passou dessa para uma melhor no dia 2 de março de 1991, consequência de um coração ja cansado da vida torta (ou bem vivida ?).

Serge Gainsbourg - Mauvaises Nouvelles des Étoiles [1981]

1. Overseas telegram
2. Ecce homo
3. Mickey Maousse
4. Juif et Dieu
5. Shush shush Charlotte
6. Toi mourir
7. La nostalgie camarade
8. Bana Basadi balalo
9. Evguenie Sokolov
10. Negusa Nagast
11. Strike
12. Bad news from the stars

Arranged By - Bruno Blum (tracks: 2.01 to 2.21) , Serge Gainsbourg (tracks: 1.01 to 1.13)
Backing Vocals - Judy Mowatt , Marcia Griffiths , Rita Marley
Bass - Robert "Robbie" Shakespeare*
Choir - I Threes
Compilation Producer - Bruno Blum
Drums - Lowell "Sly" Dunbar*
Guitar [Rhythm Guitar] - Radcliffe "Dougie" Bryan
Guitar, Piano - Michael "Mao" Chung*

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Orchestra Baobab

2010-03-28T09:58:00.000-07:00

Formada no início da década de 70, em Dakar - Senegal, com músicos de várias partes da África, a Orchestra Baobab se firmou como uma das bandas mais populares do continente. Fazendo uma mistura do som típico do oeste africano com a música Afro-Cubana-Caribenha a banda gravou 15 álbuns em 17 anos de existência, e chegou a encerrar suas atividades no ano de 1987.

Em 2001 o selo inglês World Circuit relançou Pirate's Choice, gravado originalmente em 1982, em gravação remasterizada e com faixas bônus, o que despertou novamente o interesse pela banda, agora nos Estados Unidos e Europa. Tal interesse animou os integrantes da banda, que nesse mesmo ano voltaram a se apresentar. Made in Dakar é seu mais recente álbum, que mesca sucessos desses 20 anos de banda, com novas músicas.

Orchestra Baobab - Made in Dakar [2007]

1. Papa Ndiaye

2. Nijaay

3. Beni Baraale

4. Ami Kita Bay

5. Cabral

6. Sibam

7. Aline

8. Ndéleng Ndéleng

9. Jirim

10. Bikowa

11. Colette

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Pena Branca e Xavantinho

2010-02-09T17:25:00.000-08:00

Irmãos criados na zona rural de Uberlândia (MG), começaram a tocar juntos na infância. Em 1950, quando Pena Branca (José Ramiro Sobrinho) tinha 12 anos e Xavantinho (Ranulfo Ramiro da Silva) 9, o pai morreu, e todos os sete irmãos se viram obrigados a trabalhar na lavoura. Em 1958 participam pela primeira vez de um programa da Rádio Educadora de Uberlândia, ainda sem o nome Pena Branca e Xavantinho. Na década de 60 se apresentam em cidades do interior até 1968, quando decidem tentar a sorte em São Paulo. Passam a freqüentar clubes de música caipira, onde conhecem outras duplas, como Tonico e Tinoco e Milionário e José Rico. Gravam o primeiro compacto, "Saudade", em 1970, quando adotam o nome artístico definitivo. Durante os anos 70 se apresentaram em shows, inicialmente ao lado de Tonico e Tinoco, e mais tarde como atração principal. Em 1980 participaram do festival MPB Shell, defendendo a música "Que Terreiro É Esse?" acompanhados por 16 violeiros da Orquestra de Guarulhos e percussionistas, classificando-se para as finais. Em seguida lançaram o primeiro LP, "Velha Morada" e passaram a ser figura constante em programas de televisão e no rádio. Em 1987 o CD "Cio da Terra" teve participação de Milton Nascimento, promovendo a mistura entre estilos musicais. A dupla ganhou cinco prêmios Sharp ao longo da carreira, encerrada em outubro de 1999, com a morte de Xavantinho. Pena Branca continuou gravando sozinho, ganhando inclusive um Grammy Latino no ano 2000, até falecer segunda-feira, dia 7, vítima de um ataque cardíaco.

Pena Branca & Xavantinho - A música deste século por seus autores e intérpretes [2000]

1 O cio da terra

(Chico Buarque - Milton Nascimento)
2 Boiadeiro do norte
(Zulmiro Silva)
3 Casinha de aço
(Teddy Vieira - Roque de Almeida)
4 Amo-te muito
(João Chaves)
5 Velho catireiro
(Xavantinho - Pena Branca)
6 Reisado
(Teddy Vieira)
7 Calix bento
(Tavinho Moura)
8 Que terreiro é esse?
(Xavantinho)
9 Mazzaropi
(Jean Garfunkel - Paulo Garfunkel)
10 Felicidade
(Lupicínio Rodrigues)
11 Memória de carreiro
(Juraildes da Cruz)
12 Cuitelinho
(Antônio Xando - Paulo Vanzolini)
13 E a mata gemeu
(Xavantinho - Maria Chiquinha)
14 O cio da terra (2)
(Chico Buarque - Milton Nascimento)

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Gene Krupa, "O começo e o fim de todos os bateristas"

2010-02-04T07:18:00.000-08:00

Nas primeiras cenas de Pollock (Pollock,2000 de Ed Harris), o próprio Jackson Pollock chapado pergunta a seu irmão: -Quem é o melhor baterista do mundo? e ele mesmo responde: Gene Krupa!

No início da década de 20 o jazz de New Orleans já não era uma exclusividade dos negros, os brancos também começaram a se enveredar, e mesmo sendo considerado menos expressivo, era técnicamente mais acabado.O "jazz branco" da década de 20 ficou conhecido como Dixieland.

Eugene Bertram Kupa (1909-1973) veio a se tornar um dos músicos mais importantes do Jazz Dixieland. Baterista, bandleader e showman, Gene nasceu em Chicago, onde começou sua carreira ainda adolescente. Caçula de nove irmãos, aos onze anos arrumou um emprego limpando janelas em uma loja de instrumentos e partituras chamada Brown Music Company; com o dinheiro recebido resolveu comprar o instrumento mais barato da lista - uma bateria.

Entusiasmou-se com a idéia de tocar bateria e começou a procurar jovens músicos em sua escola e em chás dançantes para tocar com ele. Em breve suas atividades musicais começaram a interferir em sua vida acadêmica, dormindo freqüentemente na classe.

Descobre uma banda de músicos brancos que toca em um teatro na zona sul (South Side) de Chicago, da qual fazia parte um baterista chamado Dave Tough, de quem tornaria-se amigo e seguidor. Tough o leva para ouvir a King Oliver´s Creole Jazz Bandque estava de passagem por Chicago, e o jovem encanta-se com o estilo do baterista negro Baby Dodds, sendo esse seu novo ídolo. Krupa impressionou-se tanto com o estilo de Dodds que passou a dedicar-se quase que integralmente ao estudo do jazz negro. Naquela época músicos negros eram proibidos de tocar com brancos.

Apesar de seu visual de rebelde - cabelos revoltos e mascador de chiclete - Krupa era um músico extremamente disciplinado e estudioso.

Em 1934, o produtor John Hammond convence Krupa a integrar a orquestra de Benny Goodman, que então tinha como arranjador Fletcher Henderson. A transmissão do programa de rádio de Benny Goodman Let´s Dance para todos os EUA através da NBC trouxe rápido reconhecimento do talento de Krupa.

Após desentendimentos que já vinham da época das jam sessions em Chicago - Goodman achava que Krupa exagerava no virtuosismo - deixa a orquestra do bandleader para formar a sua própria, que contava com a presença do trompetista Roy Eldridge e da cantora Anita O´Day. A orquestra foi um sucesso até o ano de 1943, quando Krupa foi preso por posse de maconha e ficou preso por oitenta dias, saindo sob fiança. Volta por um curto período para a orquestra de Benny Goodman, antes de integrar a de Tommy Dorsey. Consegue formar sua orquestra novamente, e tem grande êxito até 1951 quando, influenciado pelo bebop, começa a tocar com formações menores, sendo um dos únicos bandleaders da era do swing a se modernizar.

Com suas técnicas, Gene Krupa tornou-se o grande mestre dos bateristas, ao mesmo tempo ídolo e professor de toda uma geração de músicos. The Gene Krupa Drum Method é o título de seu livro. Em 1941 criou o concurso Gene Krupa Drum Contest.
A seguir, rodou vários filmes em Hollywood, foi preso e condenado supostamente por posse de drogas. Nos anos 50 tocou com todos os grandes músicos da era, o clarinetista Buddy De Franco, o saxofonista Charlie Ventura e o trompetista Red Rodney, entre outros. Mas nunca se ateve a um só estilo, experimentando constantemente com os ritmos e novos elementos na bateria.

Embora fosse o primeiro baterista a tocar um solo no Carnegie Hall, Krupa conhecia os seus limites:
"Eu sempre olhei bem para o público, ao fazer um solo, e quando notava uma certa agitação nas pessoas, sabia que era a hora de parar com o show e dar espaço para o grupo voltar a tocar".

Em 1960, sofre um ataque cardíaco e reduz drasticamente suas aparições, participando esporadicamente de reuniões da orquestra de Tommy Dorsey. Morre em 1973, e apesar de estar sob tratamento para leucemia, sua morte foi atribuída a outro ataque cardíaco. Segundo alguns críticos de jazz, a arte de Kruppa nunca voi superada.
Gene Krupa foi "o começo e o fim de todos os bateristas", disse Buddy Rich em seu túmulo, elogio que vale dobrado, vindo de um colega e concorrente.
(Texto adaptado de EJazz, com inclusões)
Gene Krupa - Drum Boogie
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ChicoCorrea & Electronic Band

2010-01-26T05:12:00.000-08:00

“Não queremos levantar nenhuma bandeira de resgate, mas pegar ritmos locais e mostrá-los de forma espontânea”, diz Esmeraldo Marques, que atende pelo codinome de Chico Correa em homenagem a Chick Corea, músico que nos anos 70 foi o precursor da fusão do jazz com linguagens musicais tecnológicas.

Jazz? Música erudita? Forró? Bossa? Eletrônica? Reggae? Funk? Baião? Rock?

O multiinstrumentista paraibano Esmeraldo Marques responde "sim" a todas as alternativas anteriores. Homenageando (e "abrasileirando") o ícone jazz-funk Chick Corea (e sua Electric Band), ChicoCorrea & Electronic Band expande os horizontes da música nordestina para muito além da afrociberdelia do mangue beat.
Corrêa, que é baiano de Juazeiro e atualmente vive em João Pessoa, também utiliza músicas folclóricas de domínio público em seu repertório. Isto foi resultado de pesquisa que ele desenvolveu quando foi bolsista do Laboratório de Estudos da Oralidade, da Universidade Federal da Paraíba (UFPB).

Sampler, pedais de eco, scratches e programas de computador são apenas instrumentos a mais que, além de teclados, guitarra, baixo e percussão, convivem em harmonia caótica, correndo atrás do groove. O regionalismo é marcante, mas também é universal e de repente um pandeiro pode ser uma base de ragga, que vira um drum'n'bass, que quase sempre descamba para jam sessions de ritmo e psicodelia nordestina.

Em 2008 o grupo se juntou ao quadrinista Shiko e ao coneasta Carlos Dowling e fizeram do vídeo da música Lelê um curta-metragem de animação, que foi exibido inclusive no Festival Anima Mundi 2008.

"Fizemos uma primeira versão pro FIC, depois recebemos uma proposta de uma empresa do Rio de Janeiro para fazer uma versão mais alongada e essa foi uma das razões da demora", conta Carlos Dowling que dirigiu, juntamente com o Shiko, "Lelê". A animação ficou a cargo de Daniel Monguilhott.

O primeiro cd do grupo, lançado em 2006 foi todo disponibilizado em um site japonês, chamado Bump Foot, segue abaixo o link pra quem quiser embarcar nessa viagem:

ChicoCorrea & Electronic Band [2006]

1. Eu pisei na pedra
2. Cantador
3. Mangangá
4. Bossinha
5. Coco de elevador
6. Terra
7. Baião Lo-Fi
8. Lelê
9. Odete [remix 2006]
10. Baile muderno
11. Descanso de tela
12. Cantador [Armando Antônio remix]
13. Bossinha [Aquilez remix]

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(O legal é que nesse link você também pode baixar as músicas separadamente)

Andreia Dias

2010-01-12T20:01:00.000-08:00

(...) avassalador. Se este disco pudesse ser absorvido
a ponto de virar referência, o futuro da música do Brasil seria brilhante.
Marcus Preto, Revista Rolling Stone (Jan. 2008)

A cantora e compositora Andreia Dias, conhecida por seu trabalho na Banda Glória e na DonaZica, estréia com uma disco impecável, Vol. 1. Em seu primeiro trabalho solo, Andreia apresenta um repertório surpreendente e original. Ela assina todas as canções (duas em parceria com Iara Rennó) e produção ficou a cargo do baterista Guilherme Kastrup. Durante as gravações, Andreia cantou ao lado do guitarrista cearense Fernando Catatau, do baixista Luque Barros, de Marcelo Jeneci nos teclados e do próprio Guilherme Kastrup. O CD ainda teve participações da DonaZica, Osvaldinho da Cuíca, e outros amigos.

Vol. 1, foi masterizado nos Estúdios YB por Gustavo Lenza e saiu pelo selo independente Scubidu Records, com distribuição física e digital pela Tratore.

Vol. 1 tem sido muito bem recebido tanto no Brasil como no exterior. Revistas de destaque como Rolling Stone, VejaSP, Carta Capital e os principais jornais elogiaram a originiladade das composições e a sonoridade única, bastante diversa do que a maioria das cantoras atuais tem mostrado. Uma das canções do CD, Asas, tem feito bsatante sucesso no Garageband.com, onde venceu uma série de prêmios como Track of the Week, Best Female Vocals e Rocking Track na categoria World Music. Além dos prêmios, Andreia foi descrita como “uma máquina melódica”. De fato, suas performances e sua voz fazem de suas músicas uma experiência inesquecível.

Depois de algum tempo no Rio de Janeiro, a paulistana Andreia Dias resolve voltar para a casa, ela estava desiludida com o cenário musical brasileiro. Nessa volta, Andreia conhece Iara Rennó, com quem logo vê a necessidade de criar um movimento musical coletivo, juntando suas forças criativas sob um nome comum. O resultado foi o Projeto Zigzira, que originou a banda DonaZica, hoje bastante conhecida por suas apresentações marcantes. Com a banda, Andreia teve sua composição Vampiro Tupiniquim premiada no Festival de Música da PUC

Em 2003, Andreia é acolhida por Frederico Mazzucheli na Banda Glória, onde interpreta, entre outras, diversas músicas de sua autoria. Na própria Banda Glória Andreia conheceu os músicos que participariam da produção de seu primeiro disco, o Vol. 1 de uma trilogia, que diz-se por aí, já está praticamente toda composta. Guilherme Kastrup e Marcelo Jeneci demonstram grande interesse nas composições de Andreia e assumem a produção do disco. O resultado é uma sonoridade que desponta com a força e originalidade que se espera de uma artista como Andreia.

(Texto extraído do site da Andreia Dias)

Saiba mais sobre a moça: SITE // MYSPACE // SCUBIDU RECORDS

ANDREIA DIAS - Vol.1 [2007]

01. Asas
02. Bode
03. Homem
04. Seu retrato
05. O fio da comunicação
06. Vampiro tupiniquim
07. Veia urbana
08. Madrugada
09. Libido
10. Não mais que um dia
11. Linfa ácida

Sinta a essência aqui!
ou
Baixe pelo site da Scubidu Records

Se vê que vai cair deita de vez!

2010-01-11T13:18:00.000-08:00

Ainda pivete, graças ao rádio "Transglobo" de seu pai, Junio Barreto começou a notar que a distância entre Caruaru e o resto do mundo era menor do que sugeriam os livros de geografia. Sabedor da ausência de fronteiras da música, guardou os ritmos do agreste no juízo e se mandou, ainda adolescente, pro Recife. Aboios, violeiros, baião, banda de pífanos, frevo, coco, xaxado levou tudo junto em seu matulão. Impregnado de agreste, sertão e litoral, aportou na concrete jungle paulistana suavemente, sem alarde. Aos poucos São Paulo foi se abestalhando com o namoro de candomblé e drum’n bass celebrado pelo seu novo inquilino.
Voz de tenor, alma negra, o sossego em pessoa, Junio Barreto 40 anos, amigo e parceiro de Otto, lança agora seu primeiro disco solo. Com 10 faixas, o independente "Junio Barreto", viabilizado pela lei de incentivo à cultura do governo de PE, tem o terreiro em sua essência, seja o terreiro de maracatu, de candomblé ou mesmo o pedaço de barro batido que abriga almas e passos em quintais pelo Brasil afora. São sambas conduzidos com melancolia e delicadeza, aboios que se transfiguram a partir de arranjos modernos e sofisticados. Nove das dez canções são da lavra do autor. A exceção só confirma a regra de que não se trata de um disco comum. Em "A Mesma Rosa Amarela", letra do poeta Carlos Pena Filho musicada por Capiba e anteriormente gravada por Maysa, o vozeirão de Junio é acompanhado por um esmerado piano acústico de Lincoln Antônio e por moogs, numa combinação de arrepiar. As demais composições, recheadas de vocábulos recriados, mostram um autor influenciado por Guimarães Rosa e Manoel de Barros e atento ao falares do agreste e do sertão. Revelam um compositor avançado em anos, não poeta extemporâneo: poeta de tempo próprio.
(texto retirado do Trama Virtual)

Junio Barreto - Junio Barreto [2004]
1. Qualé mago
2. Se vê que vai cair deita de vez
3. Amigos bons
4. Aclimação
5. Oiê
6. SantAna
7. Passeio
8. Do caipora ao mar
9. A mesma rosa amarela
10. Se vê que vai cair deita de vez (Remix por DJ Tudo)

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Salve Ogum, Salve Xangô!

2010-01-03T15:37:00.000-08:00

O ano era 1975...
Gilberto Gil e Jorge Ben entram em estúdio para registrar em vinil uma das jam sessions mais lisérgicas de todos os tempos. Essa foi a definição que eu consegui axar para Ogum Xangô.
Cada um empunhando o seu violão, e acompanhados por um percussionista fizeram uma gravação acústica, com arranjos feitos totalmente no improviso, e músicas com 3 vezes o seu tamanho normal. O clima é de total liberdade, onde fica evidente o entrosamento dos dois.
Existem algumas curiosidades em torno do disco. O mesmo teve duas capas, uma do vinil original, e outra para o relançamento em cd. O álbum possui duas versões em cd, uma primeira, com as faixas editadas (as musicas beiram os 10 minutos, 4 delas conseguem até ultrapassar a marca), a segunda com as músicas em versões integrais. Em vinil, ele é um álbum duplo.
Outra lenda é que os caras estavam chapadíssimos quando rolou essa gravação... (Sinceramente, não duvido! Quando você ouvir o disco vai saber porque!).
Lendas que sempre acompanham as obras-primas. Embarquem nessa viagem!

Gil e Jorge - Ogum Xangô [1975]
1. Meu glorioso São Cristóvão 08:16
2. Nega 10:34
3. Jurubeba 11:37
4. Quem mandou (Pé na estrada) 06:51
5. Taj Mahal 14:42
6. Morre o burro fica o homem 06:03
7. Essa é pra tocar no rádio 06:19
8. Filhos de Gandhi 13:03

Sinta a essência.

Calma Mama: Isso é Echo Sound System!

2009-12-30T19:22:00.000-08:00

Tava pensando em postar algo especial, afinal, é o último post de 2009.
E assim vai ser! Post esse que lembra meu último passeio a Salvador, quando fiquei na casa de amig@s que entendem muito de som, diga-se de passagem heehe! E essa pérola eu tive o prazer de ouvir pela primeira vez lá com eles.Preparem-se: Isso é Echo Sound System!

O Echo Sound System é um coletivo formado pelos produtores Gustavo Sola e Pedro Dubstrong (responsável pelo belíssimo e altamente indicável Disco Devil) e pelo multi-instrumentista Gustavo Veiga. O nome entrega logo de cara: os três seguem a escola dos Sound System (Sistemas de som) jamaicanos, conseguindo através disso fazer uma produção que une em um único trabalho reggae, dub, rocksteady, ragga e hip-hop. É como se você preparasse uma sequência de sons pra sua festa, e a festa do Echo é muito boa!

E como todo projeto de produtores, a produção é impecável, tanto musicalmente como de material. Quem ja teve o cd deles em mãos ou ja conferiu o site dos caras deve ter se impressionado assim como eu! É muito tudo muito bem feito, coisa de deixar gringo babando!

Voltando ao cd, Tempo Vai Dizer, lançado em 2006 pela ST2 Records traz 21 faixas, entre sons e vinhetas, e é daqueles discos que ja nascem clássicos! Gustavo Veiga ficou encarregado de violão, baixo, teclados, flauta e escaleta, o baixista Gema e o saxofonista André Salazar completam o time.
As participações também são um show a parte: Funk Buia (MC do Z'África Brasil), Jimmy Luv e Arcanjo (Enganjaduz/ Família 7 Velas) e as internacionais, do francês Pyroman (Assissins) e do jamaicano General Smiley (da dupla Michigan & Smiley).
Não canso de dizer, Echo Sound System já nasceu clássico, e obrigatório!

Saiba mais sobre o trabalho dos caras:
Site do Echo Sound System
Myspace
Disco Devil (Blog do Pedro Dubstrong)
Compre o CD dos caras!

ECHO SOUND SYSTEM - Tempo Vai Dizer [2006]
1. Echo Sound feat. General Smiley
2. Calma Mamma
3. Todos um feat. Pyroman, Funk Buia e Jimmy Luv
4. Punanny feat. Arcanjo
5. Supamind Dub
6. So D'eu Ver(de) feat. Pyroman
7. Sun Will Shine (interlude)
8. Rookie Rock feat. General Smiley e Funk Buia
9. Inna Babylon feat. Arcanjo
10. I & I feat. Pyroman
11. Vampire feat. Pyroman e Jimmy Luv
12. Replay feat. Jimmy Luv
13. Rockstar (interlude)
14. Tempo Vai Dizer
15. Pas Tester feat. Pyroman
16. Kaya Monkeys (Safari Dub)
17. Original Style (Stalag) feat. Pyroman
18. O bom filho
19. Do Nada (interlude)
20. Leão de Asas feat. Arcanjo
21. Favorite Song

Sinta a essência!

Los Fabulosos Cadillacs!

2009-12-20T16:41:00.000-08:00

"..no tengo porque tener miedo. Mis palabras son balas, balas de paz, balas de justicia..."

Pergunte a um garoto que começa a ouvir música agora, quantas bandas latino-americanas ele conhece e depois compare com a quantidade de norte americanas. Se moramos tão mais perto dos hermanos argentinos, uruguaios, chilenos...; por que tão pouco conhecemos das bandas de lá? Pode ser que não, mas no que diz respeito as bandas argentinas, penso que a (ridícula!) rivalidade também tenha lá sua influência.

Coisa de dois anos atrás meu irmão encontrou pra baixar o Acústico MTV de uma banda argentina chamada Los Fabulosos Cadillacs. Por nunca ter ouvido falar neles, pensei que era algo novo... Que nada, era o áudio de um programa gravado em 1994!

A banda, Los Fabulosos Cadillacs, foi formada em Buenos Aires, no ano de 1985.(Sim, uma banda de 24 anos!)

Inicialmente eles apareceram como uma banda de ska, com influências de The Specials, Madness e outras bandas 2-Tone, com o passar dos anos foram sendo agregadas outras influências, como tango, cumbia, jazz, salsa, reggae, samba, resultanto essa salada musical, que é o som dos caras.

De "Bares y Fondas", lançado em 1986 à "El arte de la elegância de LFC", último trabalho da banda, lançado esse ano, a banda contabiliza um total de 17 álbuns, prêmios que vão desde a MTV até Grammy Latinos!

Dentre esses, 4 álbuns foram escolhidos para a Lista dos 250 álbuns mais influentes do rock latino-americano. No ano passado eles receberam o Prêmio La Leyenda (A Lenda), da MTV Latino-Americana.

Responda você agora por que o som desses caras não chega aqui, e aproveite e responda também por que você (provavelmente) não conhece uma banda de 25 anos, 17 álbuns, reconhecida mundialmente, e de tamanha qualidade. Sou muito suspeito pra opinar, sou fã desde a primeira audição.

Saiba mais:

Site oficial da banda || Myspace

Los Fabulosos Cadillacs - Vasos Vacios [1993]

1. Cadillacs

2. Matador

3. Te tiraré del altar

4. V Centenario

5. Mi novia se cayó en un pozo ciego

6. El satánico Dr. Cadillac

7. Gitana

8. Siguiendo la luna

9. Manuel Santillán, el león

10. Demasiada presión

11. Vasos Vacíos (con Célia Cruz)

12. Revolution Rock

13. Yo no me sentaría en tu mesa

14. Yo te avisé

15. El genio del dub

16. Silencio hospital

17. Basta de llamarme así

Sinta a essência.

Yes, nós temos Afrobeat!

2009-12-10T16:37:00.000-08:00

A gente gosta da música da Africa, da Jamaica, do Brasil... O som do terceiro mundo é foda. Coisas como afrobeat, dub, reggae, funk e jazz etíope, por exemplo. Gostamos também de rock..n..roll, coisas antigas de rock progressivo e psicodélico, como King Crimson, Pink floyd, Santana. E tem umas coisas contemporâneas também, como The Mars Volta e umas bandas de afrobeat dos Estados Unidos, Antibalas, The Budos Band e Nomo

Duvido que você consiga se manter parado ao ouvir o som do quinteto paraibano Burro Morto! Só se for por estar hipnotizado com o som dos caras.

Eles são um dos frutos mais novos de uma cena instrumental brasileira que vem dando o que falar, e já tem representantes de destaque, como: Hurtmold, Retrofoguetes, Macaco Bong, Pata de Elefante, Eu Serei a Hiena, Fóssil, Perdeu a Língua. Agora chegou a vez desses caras também mostrarem o seu valor!

O grupo é formado por Haley ‘King Si

ze Paper’ no microkorg e escaleta, ‘Big’ Daniel Jesi no contrabaixo, Nacho Gonçalves na percussão, Ruy José na bateria e Léo Marinho na guitarra.

É impossível ouvir o som dos caras e não lembrar de clássicos como Fela Kuti e Tony Allen, talvez seja esse o fato de dentre toda essa galera nova eles serem os meus preferidos!

Saiba mais sobre a banda, e entre em contato com os caras pelo Myspace deles.

A notícia boa, pra quem é de Aracaju como eu, é que os caras vão estar tocando aqui, segunda-feira que vem (dia 14/12), participando da Tour Nordeste Fora do Eixo, que ainda vai contar com Macaco Bong [MT], Porcas e Borboletas [MG] e Plástico Lunar. O som rola a partir das 21h na Rua da Cultura, e o melhor: é grátis!

Burro Morto - Varadouro [ep]

sinta a essência AQUI!

Duo Moviola

2009-11-03T05:10:00.000-08:00

Apesar de estar em um espaço relativamente meu, tento ser cuidadoso ao fazer certas informações; principalmente quando falo de algo que gosto. (É o velho de medo de parecer exagerado). Se fosse pensar desse jeito, não ia poder nem indicar esse disco, mas vamos lá.Leiam, depois escutem e tirem suas próprias conclusões.

Arrisco dizer que Kiko Dinucci e Douglas Germano são 2 dos maiores expoentes do samba paulista atual, mesmo navegando na contracorrente (odeio essas novas regras de grafia.alguém me diz se ta escrito certo?!) da grande mídia, não estando em grandes selos, e disponiblizando seus materiais na rede.

A dupla é quem responde pelo Duo Moviola, onde são produtores, arranjadores e executam as músicas.Kiko é paulista, nascido em 1977 e tem participado de outros ótimos projetos, como o seu Bando AfroMacarrônico, e o Padê, disco que lançou em parceria com Juçara Marçal. Douglas Germano também é paulista, nascido em 1968. Filho de um sabista, sempre teve uma forte ligação com o samba e o carnaval paulista, tendo participado da bateria da escola de samba Nenê de Vila Matilde, e depois diretor de bateria da Águia de Ouro, além de também fazer parceria com Kiko no Bando AfroMacarrônico.

Duo por ser uma parceria de dois músicos, e Moviola era uma máquina usada para se fazer edição cenematográfica. "Retrato do artista quando pede", primeiro disco da dupla, é uma forte expressão disso, a coesão de dois músicos muito bons, que dispensam complementos. A raiz sambista de Douglas, somada as influências afro, sempre presentes de Kiko. Estariam eles fabricando Afrosambas (Vinícius e Baden Powell) pros dias de hoje? Ao prestar atenção na construção das letras, é que percebemos a jogada do cinema.Chegam a ser pequenos roteiros, recheados com efeitos de áudio.

Deixa o meu nome cair no chão | Deixa, é melhor do que em tua mão | Joga lá na avenida Paulista | Meu retrato em plena pista | Juro, será um favor | Lá vivo muito melhor | Mesmo sentindo no peito | As rodas do Penha/Lapa (trecho de "Por Favor")

Tá na minha lista dos melhores discos de 2009.O disco ta aí embaixo, aconselho a quem baixar e gostar que compre, pois é baratinho, e a parte visual é bem caprichada (como em todo filme, o audio e o visual se completam!). Salve Kiko Dinucci, salve Douglas Germano!

Saiba mais sobre: Myspace da dupla ||| Blog ||| Site onde vende o CD

Duo Moviola - Retrato do artista quando pede (2009)

1- Deja Vu (Kiko Dinucci e Douglas Germano)
2- Por favor (Douglas Germano)
3- Cine Star (Lincoln Antonio, Kiko Dinucci e Jonathan Silva)
4- Cio (Kiko Dinucci e Douglas Germano)
5- Ré (Douglas Germano)
6- Agenda (Carlos Zimber, Kiko Dinucci)
7- Macambúzio (Kiko Dinucci e Douglas Germano)
8- Mal de Percussin (Kiko Dinucci e Douglas Germano
9- Floradas de Amor (Douglas Germano e Kiko Dinucci)
10- Loira do Banheiro (Kiko Dinucci e Douglas Germano)
11- Caderninho de Vergonhas (Kiko Dinucci e Douglas Germano)
12- O Retrato do asrtista quando pede (Douglas Germano e Kiko Dinucci)

Descubram se eu estava mentindo ou exagerando.

De amor, de mar e de uma caneca de café acompanhada de um disco de samba numa noite de sábado.

2009-10-24T15:30:00.001-07:00

Conselheiro (Batatinha/Paulo César Pinheiro)
Sou profissional do sofrimento
Professor do sentimento
Do amor fui artesão
Mestre do viver já fui chamado
Conselheiro do reinado
Cujo rei é o coração
Mestre do viver já fui chamado
Conselheiro do reinado
Cujo rei é o coração
Quebrei do peito a corrente
Que me prendia à tristeza
Dei nela um nó de serpente
Ela ficou sem defesa
Mas não fiquei mais contente
Nem ela menos acesa
Tristeza que prende a gente
Dói tanto quanto a que é presa
Abre meu peito por dentro
O amor entrou como um raio
Saí correndo do centro
Dentro do vento de maio

É assim, ao som da poesia de Batatinha e Paulo César Pinheiro que a brasiliense Ligiana abre seu disco de estréia, De Amor e de Mar [2009].
Já tinha passado pelo blog em que encontrei a indicação do disco da moça na quinta-feira, e fiquei curioso quando li sobre as participações de Hamilton de Hollanda no bandolim, de Tom Zé, e da produção do grande DJ Tudo; mas entre uma coisa e outra não baixei. Calhou de vir pegar isso hoje, numa parada que dei das minhas leituras medievalistas (tá me aterrorizando hein Bruno!) nas agonias de final de período da universidade, início de noite de sábado, eu aqui em casa sem um tostão no bolso pra sair e fazer alguma coisa, sou acompanhado pela caneca de café e pelas músicas que vou selecionando aqui.Tava com vontade de ouvir um samba, ae lembrei do disco da moça que tinha esquecido lá no blog, e baixei... A empolgação foi tamanha que senti a necessidade de posta-lo aqui, apenas 1 hora após ter ouvido.

A voz dela é linda, e o disco é de uma musicalidade perfeita! Samba fino, parece coisa de gente da velha guarda, com vários anos de experiência. Ligiana é de Brasília, musicóloga graduada em canto lírico. Após se formar, foi para a Holanda, estudar canto barroco, de lá ela foi para a Itália, onde fez um mestrado em Filologia Musical, e começou a cantar MPB. Da Itália Ligiana seguiu para a França, onde continuou a cantar sambas e começou a compor."Queda por um samba", música presente no disco foi composta na França, por ela em parceria com seu pai, do outro lado do telefone.Continuou seus estudos escrevendo uma tese de doutorado sobre ópera barroca veneziana pelas Universidades de Tours e de Milão.Nos anos que passou em Paris ela montou o esboço desse primeiro disco, que foi gravado entre São Paulo, Paris e Brasília. Mais informações no Myspace dela.

O decorrer dos últimos dois dias me deram razão por só baixar esse disco hoje... tenho um costume de associar as pessoas que conheço aos discos que estou escutando na época.

Ligiana - De Amor e de mar [2009]
01 Conselheiro
(Batatinha / Paulo César Pinheiro)
02 Consideração
(Cartola / Heitor dos Prazeres)
03 Se
(Tom Zé)
04 Só se não for brasileiro nessa hora
(Morais Moreira/ Luis Galvão)
05 Onda
(Ligiana)
06 Canto do caboclo pedra preta
(Baden Powell/ Vinícius de Moraes)
07 Festa no olhar
(Philippe Baden Powell/ RodriGo Alzuguir)
08 Queda por um samba
(Ligiana/Celso Araújo)
09 Chorando Baixinho
(Abel Ferreira/Celso Araújo)
10 Pandeiro do Brasil
(Luiz Peixoto/José Maria de Abreu)
11 Eu quero é botar meu bloco na rua
(Sérgio Sampaio)

Deliciem-se com o disco da moça.

Hypnotic Brass Ensemble

2009-10-02T09:40:00.000-07:00

O que você faria se seu pai fosse um renomado trumpetista de jazz?
Montaria uma banda? Essa foi a idéia não de um, mas dos 7 (sim, os 7!) filhos do trumpetista norte americano Phil Cohran.
Os caras formaram uma das bandas mais ouvidas por mim nos últimos meses, a Hypnotic Brass Ensemble. A banda é formada pelos sete filhos de Phil nos metais: 4 trumpetes, 2 trombones e 1 tuba, e mais um amigo da família na bateria.E ta aí outra coisa curiosa: A banda é formada Somente (?) por um naipe de 7 metais e uma bateria jazzística como acompanhante. Mas bastam os primeiros minutos de audição do álbum dos rapazes para se notar que eles não precisam de mais nenhum complemento.É uma grooveira de primeira, com arranjos espetaculares. Quem curte instrumentos de sopro, jazz e fanfarras vai se amarrar nos sons dos caras.
Eles costumam se apresentar pelas ruas de Nova Iorque (Sim, os caras são artistas de rua!!), e é comum vêlos junto a saídas de metrôs, ou na frente da Times Square. Após as apresentações os caras vendem os cds da banda, ali mesmo.
Som de qualidade, vale muito a pena correr atrás!

http://www.youtube.com/watch?v=ggOVNYFlP7Q
http://www.youtube.com/watch?v=69h9cTlP9ik

http://www.hypnoticbrass.net
http://www.myspace.com/hypnoticbusiness

Bayard Rustin e a Marcha para Washington por Trabalho e Liberdade

2009-09-13T14:00:00.000-07:00

Quarta-Feira, 28 de agosto de 1963. O mundo assiste a 250 mil pessoas marcharem com direção a Washington buscando liberdade, trabalho, e o fim da segregação racial no território americano.Durante todo o dia os manifestantes (8 em cada 10 deles eram negros) oraram, cantaram e clamaram pedindo por justiça e respeito. O evento foi idealizado pelo reverendo Martin Luther King Jr., e contou com apoio de várias autoridades e personalidades simpatizantes da causa, como os atores Marlon Brando e Sidney Poitier, o escritor James Baldwin, os músicos Bob Dylan, Joan Baez. A Marcha sobre Washington por Trabalho e Liberdade teve conquistas evidentes, visto que as leis de direitos civis, e do voto foram aprovadas nos anos seguintes (respectivamente em 1964 e 65). Mas, Martin Luther King não teria conseguido atingir tal sucesso se não fosse a grande participação de seu braço direito, o político e militante pelos direitos civis Bayard Rustin (1912-1987). Rustin atuou por um bom tempo como conselheiro de Luther King, o ajudando em sua resistência não-violenta.Rustin era gay assumido, e um militante da cusa homossexual, classe onde ele via um novo alvo de preconceito e discriminação. Segundo ele, os gays seriam "os novos negros".

"O barómetro da nossa posição sobre a questão dos direitos humanos já não reside na comunidade negra, mas na comunidade gay. Porque é esta comunidade que é mais facilmente maltratada." (Bayard Rustin)

Libertem a Palestina!

2009-09-11T15:34:00.000-07:00

CONFISSÃO DE UM TERRORISTA

[ Mahmoud Darwich ]

Ocuparam minha pátria
Expulsaram meu povo
Anularam minha identidade
E me chamaram de terrorista

Confiscaram minha propriedade
Arrancaram meu pomar
Demoliram minha casa
E me chamaram de terrorista

Legislaram leis fascistas
Praticaram odiado apartheid
Destruíram, dividiram, humilharam
E me chamaram de terrorista

Assassinaram minhas alegrias,
Sequestraram minhas esperanças,
Algemaram meus sonhos,
Quando recusei todas as barbáries

Eles... mataram um terrorista

Mahmoud Darwish (1941-2008) - Poeta palestino, testemunhou a destruição de sua aldeia, Al Birweh, durante a implantação do Estado de Israel em 1948.

Vagarosa, ela vem chegando pra tomar seu espaço!

2009-09-10T13:22:00.000-07:00

O rótulo da MPB ficou limitado. Ele é bem abrangente, afinal é música popular brasileira. E me considero isso. Quando vou fazer um som, me alimento do que gosto e, como muitos outros da minha geração, me alimento não só de coisas específicas. Gostamos de ouvir música da Jamaica, agora estou escutando música etíope. Não penso que [tipo de] música estou fazendo. Simplesmente faço um som. (Céu)

A "surpresa" finalmente começa a tomar ares de realidade, poderia ser facilmente o título desse post!
CéU (Maria do Céu Whitaker Poças), paulista radicada em Nova York iniciou sua carreira artística em 2002, vindo lançar seu primeiro disco, autointitulado, em 2006.Esse disco apareceu na primeira posição nos rankings "Heatseekers (new artist)" e "World Music", e na posição 57 do "Hot 100", da Billboard, tendo vendido 60 mil cópias, só nos EUA. 2009 foi o ano do lançamento do segundo disco da CéU, Vagarosa. Conheci o disco por indicação de uma amiga baiana, Isabelly, que já me falava maravilhas do disco.Só pude confirmar... Vagarosa vem recheado de participações especiais, como BNegão, Thalma de Freitas, Los Sebozos Postizos,e o grande Luiz Melodia, entre outros.É sempre complicado superar um bom disco de estréia, mas Vagarosa é simplesmente sensacional! Espero que a moça continue nos presenteando. Ah, e pra quem quiser conferir o trabalho da moça ao vivo, dia 26/09 ela vai estar se apresentando em Salvador, na Concha Acústica.

É doce morrer no mar...

2009-09-08T09:11:00.000-07:00

A aproximação da viagem à Salvador me animou a falar um pouco desse disco que gosto tanto...

Em toda a obra de Dorival Caymmi (1914-2008) é marcante o amor que ele tinha pela Bahia de Todos os Santos, e pelo seu povo.As praias, os negros, os pescadores, o candomblé, ta tudo lá.
Canções Praieiras, lançado em 1954 é o trabalho que mais gosto dele.São 8 músicas que falam das praias, dos pescadores e suas canoas... é colocar pra ouvir e relaxar, com a voz grave de Dorival e apenas seu violão acompanhando.Dá pra sentir a brisa do mar balançando os coqueiros e a rede.
É interessante também a dualidade presente na música popular baiana (reflexo do próprio povo baiano), onde até os católicos mais fervorosos não deixam de pedir proteção, e estar sempre gratos aos orixás que protegem aquelas terras.
Fica aí a dica, escutem Canções Praieiras, grande disco!

Um salve a Altamiro Carrilho!

2009-09-03T05:51:00.000-07:00

"Aos cinco anos de idade eu vi o filho do vizinho soprando uma flautinha de brinquedo e pedi ao Papai Noel uma igual. Aos onze anos comecei a estudar com um flautista amador, um carteiro, que tocava em igrejas, em rodas de Choro e orquestrinhas da cidade. Depois comecei a estudar sério porque até então tocava meio de ouvido, como os cantores também cantavam de ouvido; as introduções a gente improvisava na hora, ficava mais leve. Nos anos 50, com o surgimento dos arranjos, tive que me esmerar mais nos estudos. Tive professores no México, EUA e URSS. Conheci Pixinguinha, Benedito Lacerda e Dante Santoro. Meu grande aprendizado de Choro foi quando eu era 'músico vira-lata'. Saía fuçando rodas de Choro todo dia depois do trabalho. Eu gosto muito de improvisar! Não toco uma frase repetida, cada vez que eu toco é uma frase diferente." (Altamiro Carrilho)

Cada vez que ouço Altamiro Carrilho, penso como o nosso país é injusto com seus verdadeiros heróis. O fato de você estar lendo esse blog e não fazer nem idéia de quem seja este senhor de 84 anos só comprova isso.
Carioca de Santo Antônio de Pádua, Carrilho é uma verdadeira lenda do choro, e da flauta transversal, instrumento que o acompanha a mais de meio século.Altamiro gravou mais de 100 discos, compôs mais de 200 canções e se apresentou em mais de 40 países. Altamiro, junto com Jacob do Bandolim e Pixinguinha faz parte de um seleto hall dos melhores instrumentistas brasileiros, mas infelizmente as premiações que Altamiro recebeu se restringem à elite brasileira (a detentora da cultura), enquanto que alguns nunca irão ouvir falar desse grande músico... uma pena!
Fica aqui a minha singela homenagem a Altamiro Aquino Carrilho (não, infelizmente o mestre não é meu parente!), espero que possa ter despertado a sua curiosidade na busca por materiais dele.

* Aquino Neto (post dedicado a meu mais novo parceiro de aventuras blogueiras, Bruno http://oventriloquo.blogspot.com )

Sente na mesa, e tome um copo com Bukowsky!

2009-08-31T12:46:00.000-07:00

Pornográfico, marginal, alcóolatra...e gênio!
* por Aquino Neto

Charles Bukowsky teve uma vida muito conturbada, assolada por problemas familiares, foi uma criança atormentada, filho de um militar frustrado que descontava seus problemas nos filhos.Não bastasse isso, o jovem Bukowsky sofria de infecções que deformaram a parte superior de seu corpo e seu rosto.
Encontrou amaparo nos livros e no álcool... tornou-se dependente dos dois.
Escreveu sua primeira poesia aos 15 anos, encontrava tempo para escrever quando estava nas messas de bar ou nos empregos temporários, que garantiam o seu sustento; até conseguir um emprego nos correios, onde ficou até os 49 anos de idade.
Bukowsky nunca teve reconhecimento de sua obra em vida.
Tudo o que escrevia era reflexo de suas experiências, axo que isso é o maior ponto forte da obra dele... A propriedade com que tratava de todos os assuntos abordados.Seus poemas, contos e romances eram mergulhados em uma Los Angeles marginal, de abuso de álcool e demais drogas, prostitutas, e... Henry Chinasky!
Chinasky é um personagem criado por Bukowsky presente em 5 de seus romances. Assim como o criador, Chinasky é um anti-herói, alcóolatra que não passa muito tempo nos empregos, e sempre metido com várias mulheres, Chinasky assim como Bukowsky passa muitos anos nos correios, emprego que detesta. [Deu pra sacar que Chinasky é um personagem autobiográfico né?!].
Chinasky foi retratado em dois filmes.Em "Barfly - Condenados pelo vício", filme de 1987 que tem o roteiro do próprio Bukowsky, ele é encarnado por Mickey Rourke.E em "Factotum - Sem Destino", de 2005, ele é interpretado por Matt Dillon.
Bukowsky morreu de leucemia aos 73 anos, em 9 de Março de 1994.
Existem livros de Bukowsky que foram lançados em formato pocket pela LP&M e podem ser facilmente encontrados e com preços accessíveis, como: Hollywood, Pulp, O amor é um cão dos diabos, Numa fria.
E pra aumentar a curiosidade sobre o mestre, segue aí um aperitivo:

A ÍNDOLE DA MULTIDÃO (Bukowski)

Há suficiente traição,ódio,violência, absurdo no ser humano comum para abastecer qualquer exército a qualquer momento.
E os melhores assassinos são aqueles que pregam contra o assassinato.
E os melhores no ódio são aqueles que pregam amor.
E os melhores na guerra enfim,são aqueles que pregam paz.

Aqueles que pregam Deus precisam de Deus.
Aqueles que pregam paz,não têm paz.
Aqueles que pregam amor,não tem amor.
Cuidado com os pregadores
Cuidado com os conhecedores.

Cuidado com aqueles que estão sempre lendo livros.
Cuidado com aqueles que ou destestam a pobreza ou orgulham-se dela.
Cuidado com aqueles rápidos em elogiar, pois eles precisam de louvor em retorno.
Cuidado com aqueles rápidos em censurar,eles temem o que desconhecem.
Cuidado com aqueles que procuram constantemente multidões;
eles não são NADA sozinhos.
Cuidado com o homem vulgar
A mulher vulgar
Cuidado com o amor deles.

Seu amor é vulgar,busca vulgaridade
Mas há força em seu ódio,
há força suficiente em seu ódio para matá-lo,para matar qualquer um.
Não esperando solidão
Não entendendo solidão
Eles tentarão destruir qualquer coisa que difira deles mesmos.
Não sendo capazes de criar arte
Eles não entenderão a arte.
Considerarão seu próprio fracasso como criadores apenas como falha do mundo..
Não sendo Capazes de amar plenamente
Eles ACREDITARÃO que seu amor é incompleto
Então te odiarão.

E seu ódio será perfeito
Como um diamante brilhante
Como uma faca
Como uma montanha
Como um tigre
Como cicuta
Sua mais refinada ARTE.

Sílvia Machete e a sua Música Safada para Corações Românticos

2009-08-30T14:20:00.000-07:00

Um misto de Pin Up e artista circense... Essa é Sílvia Machete!
A moça já rodou o mundo fazendo apresentações de trapézio e malabarismo, se apresentando em mais de 30 países.
Há sete anos ela trocou o Rio de Janeiro por Nova York, onde reside e trabalha.Ela se apresenta nas casas noturnas do bairro boêmio de East Village, onde apresenta seu show performático, onde canta, atua e brinca com o trapézio e seus bambolês.
Em 2006 a moça veio ao Rio, e acompanhada de músicos da Orquestra Imperial gravou seu primeiro CD, que tem o sugestivo nome de Bomb of Love – música safada para corações românticos, onde abusa de sua bela voz cantando uma mpb feita para ouvir no cabaré ( a descrição que eu encontrei para definir ), a moça é muito talentosa!. E agora em 2009 ela acaba de lançar seu primeiro dvd, Eu não sou nenhuma santa.
Vale a pena correr atrás.

Os Panteras Negras

2009-08-26T16:02:00.000-07:00

Em 1966 na cidade Californiana de Okland, Huey Newton se reúne com seu amigo é líder estudantil Bobby Seale junto com um pequeno grupo de outros ativistas, com o objetivo de formar o Partido Pantera Negra. O nome veio porque na natureza a pantera negra é um animal defensivo, mais que luta ferozmente quando e atacada. Os objetivos ao criar o partido era promover dentro da comunidade negra um movimento de defesa contra as ações violentas praticadas pela polícia.Huey Newton foi nomeado Ministro da defesa é Bobby Seale ficou como presidente.

A partir disso sobre o amparo legal da legislação da Califórnia, que permitia aos indivíduos o direito a portar armas de fogo em público, os militantes do Partido passaram a acompanhar as atividades policiais é intervindo quando necessário. Dai vem o nome completo da organização que era Partido Pantera Negra para auto-defesa.

Devido aos crescentes confrontos envolvendo o Partido Pantera Negra é a polícia a Assembléia do Estado da Califórnia decidiu votar a revogação da que lei que garantia o direito ao porte de armas em público,em retaliação em 2 de maio 1967 trinta Panteras Negras armados marcharam até a Assembléia Californiana realizando um protesto que ficaria marcado pela intervenção violenta das forças policiais que obdeciam ordens diretas do governador do Estado e futuro presidente dos Estados Unidos Ronald Reagan.

Em pouco tempo o partido experimentou um crescimento espetacular nos primeiros anos após sua formação. Até o verão de 1968 os Panteras Negras já haviam recrutados em suas fileiras mais de mil integrantes e também teriam conseguido vender mais de 100.000 exemplares do jornal oficial. O sucesso f oi tamanho que o diretor do FBI J.Edgar Hoover afirmou que o Partido Pantera Negra era a principal ameaça interna a segurança n acional essa preocupação fez o FBI intensificar as atividades do chamado COINTELPRO (Programa de Contra-Inteligência) que tinha como meta investigar, espionar, e neutralizar as atividades dos Panteras Negras.

Através da presença revolucionária, criadas pelos Panteras não fica difícil entender a atração que os negros sentiram pela organização. No entando Huey Newton destacou claramente que não havia muito mais para os líderes dos Panteras do que a sua extraordinária valentia é as intenções idealistas.
Mesmo assim os Panteras conseguiram ir desenvolvendo seus projetos políticos Huey Newton estava convencido que de que os negros Norte-americanos nunca iriam destruir o racismo automaticamente sem destruir o capitalismo em suas palavras Huey Newton argumentava que:

Não seria possível destruir o racismo sem limpar a sua base econômica sustentada na exploração excessiva dos trabalhadores negros por capitalistas brancos.

Outro fator de fundamental importância para o partido foi o lançamento do programa que foi concebido em dez pontos principais e serviu como um manifesto das necessidades políticas é sociais imediatas da comunidade negra. O programa se baseada na defesa da auto-determinação da população negra, estabelecimento de um bom sistema de ensino, moradia, emprego, assistência médica, fim da brutalidade policial, insenção do serviço militar obrigatório, direito a formação de júris compostos por negros para julgarem outros negros entre outras questões de importância primária.

Huey Newton descreveu o programa como um pacote que ajudaria a aumentar o apoio do partido dentro da comunidade é assim ganhar força suficiente para realizar a revolução contra o racismo é o capitalismo.

Consequentemente, os Panteras Negras gozavam de uma ascensão meteórica que influenciou a consciência de milhares de pessoas. Mas a sua história de êxito foi fugaz um fator que contribui com a queda dos Panteras Negras foram as drogas especialmente a cocaína que passou a ser distribuída é consumidas em grandes quantidades nas regiões a onde o partido agia.

No entanto, o desaparecimento das Panteras também correu de algumas deficiências na própria estratégia política adotada. Por exemplo o seu principal objetivo, a auto-defesa armada nas comunidades, embora corajoso não poderia em última análise ser capaz de confrontar um inimigo que possuia mais recursos no caso o Estado Norte-americano.

The Specials e o Ska 2-Tone

2009-08-24T19:11:00.000-07:00

Dawning of a New Era

The Specials foi uma das maiores bandas de SKA do Reino Unido. Ícone principal do chamado “SKA 2-Tone” (um revival do SKA jamaicano com influências do rock e pop inglês no final da década de 70) servindo de influência para as principais bandas de ska da nova geração.

O termo 2-Tone criado pelo tecladista da banda The Specials (e que futuramente viria ser o nome do selo dele), vinha do fato do Ska estar reunindo negros e brancos tocando junto, e mais do que um estilo de música simbolizou também a luta contra o preconceito racial no Reino Unido.

The Early Years

O embrião do que viria a se tornar os Specials surgiu em Coventry (UK) em 1977, quando Jerry Dammers, Horace penter, Lynval Golding, Silverton Hutchison e Tim Strickland formaram a banda “The Automatics”. Desde o ínicio faziam a fusão do punk com o ska e fizeram certo sucesso em Coventry e região. Posteriormente, o na época vocalista Tim Strickland foi substituido por Terry Hall e com a entrada do guitarrista “Roddy Byers” estava formada a “The Coventry Automatics A.K.A. The Specials”.

O tecladista Jerry Dammers então fez um grande trabalho de divulgação de sua banda no meio musical, distribuindo k-7’s sem muito sucesso. Até que ao conseguir um contato com roadies da “única banda que importa”. Em 78, a banda sai em turnê para fazer 2 shows com ninguem menos que “The Clash”. A banda chamou a atenção de Joe Strummer que abriu espaço para “The Specials A.K.A.” (nome que foi posteriormente adotado devido a outra banda inglesa em atividade q usava o nome de “The automatics”) que abriu os shows do Clash pelo resto da tour.

Acontece que os fãs do Clash não eram tão abertos a novos sons assim, a juventude punk inglesa em algumas ocasiões chegou a vaiar a mistura reggae-punk do pessoal de Coventry e até a jogar latas no palco. Mas foi nesta turnê que ao Specials A.K.A. se juntou Nevile Staples, que a época trabalhava como roadie do Clash. Staples demonstrou talento na percussão e grande identificação com a banda, se tornando membro permanente do grupo no mesmo ano.

2-Tone

O tecladista e praticamente “dono” da banda, então realiza seu sonho: criar um selo dedicado ao estilo que a banda incorporou. Baseando-se nos rude-boys londrinos, adotaram a vestimenta e por meio de uma foto de Peter Tosh em um album dos Wailers, criou a logo internacionalmente famosa de seu novo selo o 2-Tone (ou two-tone)

Então, Jerry Dammers entra em contato com Rick Rogers (empresário do “Damned”) que coloca a banda em diversos shows em Londres, onde finalmente os “Specials” chamam a atenção de um grande número de gravadoras, entre elas a “Rolling Stone Records”. Porém, a maioria não dava a Jerry a autonomia para seu selo, o 2-tone, o que inviabilizou vários contratos. Enfim, a banda assina com a Chrysalis Records um contrato de 10 singles por 1 ano pela 2-tone e 5 albuns dos Specials. A Chrysalis então gravou o single “Gangsters” (música baseada no clássico “Al Capone” de Prince Buster) e distribuiu ao lendário radialista John Peel e depois de uma turnê de 8 semanas pela Inglaterra, a banda chegava à 6ª posição nas paradas inglesas, se apresentando até no “Top of the Pops”. A 2-tone continuou crescendo, também assinando com bandas como “The Selecter” e “Madness”

The Specials

A banda então passa a figurar em festivais de música europeus, roubando a cena de bandas como The Police e The Cure. Em 79, a banda lança o single “A message to you Rudy”, clássico de Dandy Livingstone, com a participação de Rico Rodriguez, um dos maiores nomes do SKA de todos os tempos, junto com a composicão própria “Nite Klub”. Alguns meses depois lançam o album auto-entitulado, que é na minha opinião, o melhor album da banda. O disco chegou ao posto 7 de mais vendido na Inglaterra, consolidando a banda como um fenômeno musical. No mesmo ano aconteceu o primeiro “Two-Tone Tour” com os Specials, Selecter e Madness.

Fonte:

http://www.thespecials.com

Coletivo Reviravolta & Dub-O-Matic! convidam: Festa do Bandeijão

2009-08-19T06:36:00.002-07:00

O Coletivo Reviravolta ( http://reviravoltanaufs.blogspot.com ) e o Dub-O-Matic! convidam tod@s para a Festa do Bandeijão, essa quinta, no Restaurante Universitário da UFS as 19h! Vou estar lá discotecando, colocando muita coisa boa pra rolar.
E o melhor, não paga nada pra curtir o som!

Ao mestre, com carinho!

2009-08-14T15:55:00.000-07:00

ATAULFO ALVES de Sousa / Miraí, MG (02-05-1909) - Rio de Janeiro, RJ (20-04-1969)

Por: Maria do Carmo Nogueira da Gama

Minas Gerais, o coração do Brasil. Um coração de ouro num peito de ferro, diz, orgulhoso, o mineiro, que trabalha em silêncio. Quem te conhece não esquece jamais. Seu ouro é do mais puro quilate. Para ficar só na música, Milton Nascimento, cidadão do mundo nascido nas Gerais, e seus companheiros. Pra ficar só no samba, enquanto Ary Barroso chorava suas mágoas "num copo de Ubá" e enaltecia a Bahia, Ataulfo (Miraí, MG, 02/05/1909 Rio de Janeiro, RJ, 20/04/1969) cantava a pequena Miraí. Nasceu em uma fazenda e fazia versos, aos 8 anos de idade, para acompanhar os improvisos do pai, sanfoneiro e repentista.

Antes de se dedicar à música, fez um pouco de tudo. Acompanhando um médico, mudou-se para o Rio e para ele trabalhava dia e noite. Cansado, abandonou o médico e foi lavar vidros em uma farmácia. Tornou-se prático de farmácia e à noite, no Rio Comprido, onde morava, acompanhava as rodas de samba. Aos 19 anos tocava violão, cavaquinho e bandolim. Aos 19 anos, ainda, se casou com Judite. Organizou um conjunto e animava as festas do bairro. Aos 20 anos (1929) começou a compor e se tornou diretor de harmonia de um bloco organizado pelos moradores do bairro, o Fale Quem Quiser.

"O mais elegante", diziam de Ataulfo. Gentil e refinado. Conta o compositor: "Quando fui apontado como um dos dez mais elegantes pelo Ibrahim (Ibrahim Sued, colunista social), eu aparecia na fotografias com um terno de dez anos atrás. É que, naquela época, eu não podia pagar um bom alfaiate. Mas depois de eleito, surgiram grandes alfaiates que, interessados em ganhar publicidade, ofereciam-se para me fazer roupas de graça..."

Sexta-Feira foi sua primeira composição a ser gravada. Era o ano de 1933. Bide, que fazia sucesso com Agora é Cinza (c/ Marçal), ouviu algumas músicas de Ataulfo e apresentou-o a Mr. Evans, diretor americano da Victor. E Almirante gravou Sexta-Feira.

Conta Ataulfo: "OK, OK. Mr Evans me olhava e só dizia OK, OK. Eu não entendia bem. Mas o americano lá pelas tantas disse: ‘Vou telefonar pra cantora, para ouvir as suas músicas’. Veio a Carmen Miranda. Ela ouvia, ouvia e me olhava, até que disse: - Você não é aquele rapaz lá da farmácia? Perfeitamente. Mas você não era compositor! Mas você não era cantora!" E os dois deram boas gargalhadas.

Em 1935, por intermédio de Almirante e Bide, Floriano Belham gravou seu primeiro sucesso, Saudade do meu Barracão. Menina que Pinta o Sete (c/ Roberto Martins) foi gravada pelo Bando da Lua, ainda no ano de 1935.

Sílvio Caldas (Saudade dela, 1936, e a valsa A Você, feita em parceria com Aldo Cabral) e Carlos Galhardo (Quanta Tristeza, feito com André Filho, 1937) foram os responsáveis por seus maiores sucessos. Galhardo viria a ser um de seus mais fiéis intérpretes.

Foi parceiro de Bide, Claudionor Cruz, João Bastos Filho e Wilson Batista (com este último venceu os carnavais de 1940 e 1941, com Oh!, Seu Oscar e O Bonde de São Januário e, ainda Eu Não Sou Daqui, Papai Não Vai, Terra Boa).

Orlando Silva foi outro grande intérprete de Ataulfo. Errei, Erramos, foi por ele gravado em l938.

Como intérprete, as primeiras gravações de Ataulfo foram Leva Meu Samba... e Alegria na Casa de Pobre (com Abel Neto).

Em 1942, as dificuldades financeiras e o desinteresse dos intérpretes em gravar suas músicas, fizeram com que ele gravasse, para o Carnaval Ai, que Saudades da Amélia (c/ Mário Lago). A música foi feita a partir de 3 quadras que Mário Lago lhe dera. Ataulfo fez algumas alterações na letra original para adaptá-la. Mário Lago não gostou. A gravação contou com o acompanhamento do grupo Academia do Samba, um grupo organizado pelo compositor e com a abertura de Jacob do Bandolim. Foi um enorme sucesso. Três meses depois, Ataulfo voltaria a Odeon para nova gravação, agora com orquestra.

Com Mário Lago comporia ainda Atire a Primeira Pedra (Carnaval de 1944) e Capacho e Pra que Mais Felicidade (1945).

Criou o grupo Ataulfo Alves e suas Pastoras quando se definiu por interpretar ele mesmo suas canções. O nome foi sugestão de Pedro Caetano. Com Olga, Marilu e Alda, a primeira formação do grupo, lançou os sucessos Inimigo do Samba (c/ Jorge de Castro, 1943), Todo Mundo Enlouqueceu (c/Jorge de Castro), Boêmio Sofre Mais (c/ Floriano Belham, 1945) , Vá Baixar Noutro Terreiro (c/Raul Marques, 1945) e Infidelidade (c/ Américo Seixas, 1947).

Fim de Comédia e Errei, Sim, foram gravadas na década de 1950 por Dalva de Oliveira, relatando o fim de seu casamento com Herivelto Martins.

Em um show realizado na boate Casablanca, em 1954, lançou o samba Pois É. Inspirado na música, Pancetti pintou um quadro e o ofereceu ao compositor. Em contrapartida, Ataulfo compôs, com J. Batista, a música Lagoa Serena, em homenagem a Pancetti. Este fez outro quadro dedicado ao compositor, com o mesmo nome, Lagoa Serena. A música Pois É só foi gravada em 1955, pela Sinter, por problemas de contrato com a Victor

Na Sinter, foi gravado o LP Ataulfo Alves e suas Pastoras (1956). No ano seguinte ele compôs Vai, Mas Vai Mesmo, grande sucesso do Carnaval de 1958.

Meus tempos de Criança, composto ainda em 1957, no qual relembra sua infância e as pessoas que o influenciaram (Que saudades da professorinha/ Que me ensinou o bê-a-bá ...) mostra o lado nostálgico do compositor. Floripes Argenta de Souza era a professorinha. Uma bela e lírica canção.

Em 1961 foi para a Europa, convidado por Humberto Teixeira, integrando uma caravana de divulgação da música popular brasileira. Interpretou Mulata Assanhada e na Cadência do Samba. Um fato interessante ocorrido na excursão, narrado por Ataulfo: "Numa boate em Estocolmo entrei em cena sozinho, como estava ensaiado. Antes que começasse a falar, algumas vozes começaram a cantar: ‘Nunca vi fazer tanta exigência...’ Senti um nó na garganta, sem saber o que fazer. Aí lembrei-me de Chico Alves, que me dizia que nessas horas era bom se contrair todo e fazer figa. Assim que pude peguei o violão e comecei a cantar Amélia, com todos me acompanhando. Quando saí do palco, chorei de emoção"

Ainda em 1961 fundou a ATA (Ataulfo Alves Edições) e editava suas próprias músicas. Data dessa época o fim de Ataulfo Alves e suas Pastoras, então já integradas por Nadir, Antonina, Geralda e Geraldina.

Fez uma temporada no Top Club, no Rio de Janeiro, em 1964. Sentiu agravar-se uma úlcera no duodeno, mas voltou ao exterior em 1966 como representante do Brasil no I Festival de Arte Negra, em Dacar, Senegal.

O surgimento da bossa-nova e do iê-iê-iê nacional foram assimilados por Ataulfo. De outro lado, os jovens gostavam de suas músicas.

Assim, em 1967, veio um novo sucesso com Laranja Madura. Roberto Carlos gravou Ai, que Saudades da Amélia. E Ataulfo fez parceria com Carlos Imperial

Você passa e eu Acho Graça, Você Não é Como as Flores e sua última música, Mandinga, foram feitas com Carlos Imperial, que concluiu Mandinga, já que uma intervenção cirúrgica, em decorrência de sua úlcera, o impediu de terminar. Foi-se o grande sambista carioca, nascido em Minas. Clara Nunes, também carioca, nascida em Minas, gravou Mandinga e Você passa e eu Acho Graça, pela Odeon.

Blaxploitation

2009-08-14T05:50:00.000-07:00

Em 1965, o então jovem ator negro Sidney Poitier estrelou, ao lado de Anne Bancroft, um thriller chamado 'The Slender Thread'.

Apesar de os filmes de Poitier, feitos por grandes estúdios, sugerirem que era possível aos negros serem plenamente aceitos pela sociedade americana, a realidade era bem diferente. Protestos raciais pipocavam em várias cidades dos EUA. Os Panteras Negras, com um grande número de seguidores nas áreas pobres das grandes cidades, pregavam a revolta armada. Apesar da influência positiva dos filmes de Poitier na sociedade, eles simplesmente não refletiam a vida da maioria dos cidadãos negros da época. Então, grandes artistas "black" como Funkadelic, The Impressions, Sly and Family Stone e James Brown começaram a produzir músicas contendo mensagens políticas, emolduradas por um irresistível balanço. As paradas de R&B provaram que a procura de "música com mensagem" estava em alta. E as platéias negras americanas queriam, do mesmo modo, cinema que refletisse a sua realidade, seu dia-a-dia.
É nesse contexto que surge um movimento chamado Blaxploitation.
Filmes de baixo orçamento muito em voga na década de 70 interpretados e realizados por pessoas de raça negra, cujas histórias tratavam, de uma forma sensacionalista, temas carregados de sexo e violência. Embora este tipo de filmes explorasse os estéreotipos associados aos negros, possibilitou um aumento do número de papeis disponíveis e permitiu que a comunidade pudesse ser vista nos papéis principais. O Blaxplotitation deixou seu legado, como ícones da Black Music que se tornaram mais populares através de sua participação nas trilhas desses filmes: Isaac Hayes (Shaft), Curtis Mayfield (Superfly), James Brown (Black Cesar), Barry White (Together Brothers); além de ter revelado atores de destaque do cinema americano, como a belíssima Pam Grier (oh Pam!), e os grandes Richard Pryor e Richard Roundtree. O baixo orçamento dos filmes criava fatos curiosos, como em Sweet Sweetback Baadasssss Song (precursora do movimento blaxploitation), onde Melvin Van Peebles ganhou o status de "autor" de cinema independente.Melvin dirigiu, escreveu, produziu, atuou e criou a trilha sonora. Ganhou uma legião de fãs a partir dos anos 80, entre eles, Quentin Tarantino.

Vá em paz Zé Rodrix!

2009-05-23T17:18:00.000-07:00

José "Rodrix" Rodrigues Trindade (1947 - 2009)

Me Faça Um Favor
(Sá, Rodrix e Guarabyra)

quero que voce me faça um favor
ja que a gente nao vai mais se encontrar
cante uma cançao que fale de amor
e seja bem facil de se guardar
meu amor, o que eu sou
todo mundo vê
me perdi, me esqueci
dentro do seu mundo
procurando a vida com voce
mesmo que as pessoas lembrem de nós
mesmo que eu me lembre dessa canção
nao vai haver nada pra recordar
nada que valeu, que houve de bom
meu jardim, seu quintal
sempre a mesma flor
hoje nao, cada um
dentro do seu mundo
navegando contra a solidao

Lucas Santtana & Seleção Natural

2009-05-10T08:50:00.000-07:00

Depois de participar do cd “Tropicália 2” de Gilberto Gil e Caetano Veloso, Lucas Santtana foi convidado para gravar o cd “Gilberto Gil acústico MTV”, trabalho no qual permaneceu por 3 anos e meio tendo feito duas turnês pela Europa, Americas do Norte, Sul e Central. Em 2000 Lucas Santtana iniciou sua carreira solo lançando o cd “Eletro Ben Dodô”, produzido pelo renomado produtor Chico Neves e mixado no estúdio Realworld de Peter Gabriel. O cd recebeu críticas elogiosas no Brasil e em importantes publicações no mundo da música como a Village Voice, Down beat e o Chicago Tribune(E.U.A); Le monde e Vibrations ( França); Latino e Esquire (Japão) , além de estar incluído na seleta lista dos dez melhores cds independentes do ano de 2000 pelo The New York Times. Em julho de 2003 Lucas Santtana lançou o seu segundo cd, intitulado "Parada de Lucas". O cd é dedicado ao geógrafo Milton Santos. Assim como o primeiro, “Parada de Lucas” recebeu críticas elogiosas dos principais jornais e revistas do Brasil e mais uma vez ganhou matéria no The New york Times.Em 2006 lança o 3º cd “ 3 sessions in a greenhouse” acompanhado da banda Seleção Natural. Juntamente com o cd, Lucas Santtana transforma seu selo musical Diginóis records em um site-blogue-ponto de encontro: www.diginois.com.br. No site é possível baixar gratuitamente o cd e as faixas abertas do cd para remixar e também enviar esses remixes para o site. Em 1 ano na internet o site já recebeu mais de 50.000 visitas e mais de 12.000 downloads do cd foram feitos. As 2.000 cópias do cd se esgotaram em 7 meses. O cd recebeu críticas recentes do The New York Times, Downbeat, Revista Veja, O globo, Estadão, dentre outros: Desde o lançamento do cd Lucas Santtana & Seleção Natural fizeram shows no encerramento do Tim Percpan, do Festival Riocenacontemporânea, no Festival Indie Rock(Circo Voador), Festival M.O.L.A e no programa “Som Brasil Noel Rosa” na TV Globo, dentre outros. (Release oficial do site de Lucas)

Acompanhe o trabalho de Lucas:
Myspace
Blog/Site de Lucas Santtana & Seleção Natural

Lucas Santtana & Seleção Natural - 3 sessions in a greenhouse (2006)
1. Awô dub
2. Tijolo a tijolo, dinheiro a dinheiro
3. Deixe o sol bater
4. A natureza espera
5. Lycra-limão (Dubversão)
6. Pela orla dos velhos tempos
7. Into shade
8. Ogodô ano 2000 (Participação: Tom Zé)
9. Faixa amarela

Sinta a essência aqui ou aqui.

Caio Bosco e sua ode ao Tai Chi Chuan

2009-05-09T22:08:00.000-07:00

Caio Bosco é um músico, cantor/compositor e produtor da cidade do Guarujá, litoral de São Paulo. Começou a sua trajetória através do Hip Hop experimental com o projeto “Radiola Santa Rosa”. O estreitamento da relação com a música brasileira, que servia de matéria prima para a produção das suas bases, despertou inquietações na alma do poeta que decidiu alçar vôos para a pluralidade do Rock’n Roll, agregando elementos de Jazz, Dub, MPB, Eletrônica e Ambient. Em um processo de total imersão e disciplina, Caio transformou a sua condição em filosofia, na companhia da Dona Jô (dona da casa onde produziu suas gravações), vários equipamentos e chá verde, o compositor buscou a voz de sua alma e empunhando a sua guitarra, recebeu entidades xamânicas e a vibração dos seus heróis. A criatividade extraiu do universo um mundo musical idiossincrático: “lo-fi”, brasileiro, praiano e muito original. O Diamante EP traz ao público uma prévia do primeiro álbum de Caio Bosco, com três músicas especiais para esse EP como “Na2SO4+2H2O”, inspirada na música “Agua e Sal” de Walter Franco, cedida e abençoada pelo próprio autor. Produzido e quase todo gravado pelo próprio Caio no estúdio-caseiro “Satori”, o disco conta com mixagens e remixagens de Quim Vasconcellos (Argila Music, Maskavo Roots), Alexandre Basa (Turbo Trio, Black Alien), Buguinha Dub (Nação Zumbi, Lucas Santtana, Cidadão Instigado) e Emerson Tripah (Sabão Em Pedra, Satori Studio), que ajudaram a costurar as idéias analógicas, recortadas e coladas em busca da sonoridade do auto-conhecimento.
(do Myspace de Caio)

Depois de cantar sobre budismo, natureza e autoconhecimento à frente do grupo Radiola Santa Rosa - versão praiana e de baixo orçamento dos Beastie Boys -, o músico Caio Bosco, do Guarujá, lança agora o EP solo “Diamante”, cuja faixa-título é uma verdadeira ode ao Tai Chi Chuan. “Acho que é algo pouco frequentado por jovens”, diz o autor, explicando a ausência desse tipo de tema na música pop. “Lá onde eu pratico só tem velhinha mesmo. É claro que eu acabo ganhando bolo de graça, essas coisas.”
Adepto da arte marcial de origem chinesa, conhecida pelos movimentos lentos, desde 2002, o cantor conta que “deixou o feeling fluir”. “Fiz essa música de manhãzinha, voltando de uma aula de Tai Chi Chuan. Tem o lance da respiração, da energia. O som tem uma estética que lembra um pouco os anos 70, com elementos da música eletrônica underground dos anos 90.”
(do site G1)

Acompanhe o trabalho do cara:
Myspace
Blog do Caio Bosco

Caio Bosco - Diamante EP (2008)
1 - Sr Eno
2 - Diamante
3 - Eu Não Quero Ser Sua Garota Nunca Mais
4 - Na2SO4+2H2O (Água e Sal)
5 - Diamante (Emerson Tripah Remix)
6 - Pitangueiras 1

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Bambas & Biritas

2009-05-08T06:50:00.000-07:00

O primeiro disco solo de BiD, Bambas & Biritas Volume 1 de 2005, juntou uma banda formada por Carlos Daffé no piano e vocal, Marku Ribas na percussão e vocal, Rocco BiD na bateria e vocal, Lula Barreto no baixo, Bruno Buarque na percussão e samplers e o próprio BiD na guitarra, craviola e vocal.
A carreira de BiD começou tocando com Supla na banda Tokyo. Depois disso BiD integrou o Professor Antena e Funk como Le Gusta, que também produziu. Além de produzir o Afrociberdelia do Chico Science & Nação Zumbi, BiD também produziu Pavilhão 9, Mundo Livre S/A e Da Weasel.
Carlos Daffé tocou com piano com Tim Maia, Dom Salvador e Banda Black Rio, sempre foi figura chave na black music brasileira. Marku Ribas tocou com João Donato e até com os Rolling Stones, e também lançou discos maravilhosos entre eles com o Clube do Balanço. Lula Barreto acompanhou Gérson King Combo e fundou a banda União Black nos anos 70, com a qual excursiona novamente.
Rocco BiD tocava na banda Tokyo ao lado do irmão, BiD, e mora há 15 anos nos Estados Unidos, onde estuda e aprimora a técnica. Bruno Buarque faz parte da banda Barbatuques, onde aprimora a percussão mesclando o tradicionalismo com o experimentalismo dos samplers.
Com este disco, BiD lançou-se no mercado brasileiro com auxílio luxuoso. Entre as participações especiais estão Black Alien, DJ Soul Singer, Happin’ Hood, Funk Buia, Seu Jorge, Elza Soares, Cine-Lândia, Dasez, Muhammad Murashir, Chico Science e Dú Peixe.

(fonte: Blog Eu Ovo)

BiD - Bambas & Biritas vol.1 (2005)
1. Não pára (com Carlos Daffé)

2. Na noite se resolve (com Black Alien & DJ Soul Singer)

3. Maestro do Canão (com Rappin' Hood & Funk Buia)
4. E depois... (com Seu Jorge)
5. Fora do horário comercial (com Marku Ribas)

6. Mandingueira (com Elza Soares)
7. Saudades da Black Rio (com Carlos Daffé)
8. Soul survivor (com Dasez & Muhammad Murashir)
9. Terra vista (com Cine-Lândia)

10. Roda rodete rodeano [Zambo Mix] (com Chico Science & Dú Peixe)
11. Estou bem longe [do que me faz mal]

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Chega de Saudade

2009-05-05T06:18:00.000-07:00

O Filme:
A história acontece em uma noite de baile, em um clube de dança em São Paulo, acompanhando os dramas e alegrias de cinco núcleos de personagens freqüentadores do baile. A trama começa ainda com a luz do sol, quando o salão abre suas portas, e termina ao final do baile, pouco antes da meia-noite, quando o último freqüentador desce a escada. Mesclando comédia e drama, Chega de Saudade aborda o amor, a solidão, a traição e o desejo, num clima de muita música e dança.Um filme de Lais Bodanzky (Bicho de 7 cabeças), com Cassia Kiss, Stephan Nercessian, Maria Flor, Paulo Vilhena, Tônia Carreiro, Leonardo Villar e Betty Faria.
O Disco:
Como tema o principal do filme gira em torno dos bailes de salão, muito frequentados pela 3° idade, a trilha sonora teria que ser muito relevante, e digo com certeza absoluta que realmente é!
O produtor BiD é o responsável por uma trilha sonora de primeira, encabeçada por uma dupla que dispensa maiores comentários: Elza Soares e Marku Ribas! (que representam a dupla de crooners no filme) Acompanhados luxuosamente por uma não menos importante Banda Luar de Prata.BiD foi o responsável pela seleção do repertório e pela montagem da banda.É baixar e chamar os amigos pra dançar, porque a trilha sonora já está garantida!

Chega de Saudade - Trilha Sonora Original do Filme (2008)

1. Não Deixe o Samba Morrer

2. De Noite na Cama

3. Um Calo de Estimação

4. Você Não Vale Nada

5. Tequila

6. Bebete vãobora

7. Lama

8. Sonata ao Luar

9. Mulheres

10. Bambino

11. Cha Cha Cha

12. Como uma Onda (Zen Surfismo)

13. Mon Amour, Meu Bem, Ma Femme

14. Chega de Saudade

Sinta a essência aqui ou então aqui.

2009-05-04T05:54:00.000-07:00

Os esquecidos do Soul Brasileiro: Di Melo

2009-05-03T15:02:00.000-07:00

O pernambucano Di Melo chegou em fins dos anos 60 a São Paulo, e recomendado pelo Babulina tocou na boate Jogral e excursionou ao Japão com Jorge Ben e Trio Mocotó, onde registrou um disco. Em 1975 lançou pela Odeon seu LP homônimo, que contava com as participações de Hermeto Pascoal e do guitarrista Heraldo do Monte.O disco abre pegando pesado na balada."Kilariô" vem cheia de balanço e com baixo e metais destruindo tudo."A vida em seus métodos diz calma" é um de seus hits, swing com uma letra que mistura humor e critica ao desespero. Aliás a critica existia muito na música de Di Melo, mas não ficava só no discurso “caminhando e cantando”.. Redescoberto nos anos 90 por Dj's ingleses, pela inclusão da sua música "A Vida Em Seus Métodos Diz Calma" na coletânea de música brasileira "Blue Brazil" editada pelo tradicional selo Blue Note. Apesar de pouco famoso, Di Melo é um artista de primeira que merece reconhecimento e outras das suas canções que estão incluídas neste seu disco como "Pernalonga" e "Se o Mundo Acabasse em Mel" por exemplo, são muito boas e como li em um comentário de Carlos Queiroz: "O apuro musical e seu 'deboche' sutil e elegante parecem prematuros para a data do disco". Escute aí e curta a viagem!

Di Melo - Di Melo (1975)
1 .Kilariô (Di Melo)
2. A vida em seus métodos diz calma (Di Melo)
3. Aceito tudo (Vidal França - Vithal)
4. Conformópolis (Waldir Wanderley da Fonseca)
5. Má-lida (Di Melo)
6. Sementes (Di Melo)
7. Pernalonga (Di Melo)
8. Minha estrela (Di Melo)
9. Se o mundo acabasse em mel (Di Melo)
10. Alma gêmea (Di Melo)
11. João (Maria Cristina Barrionuevo)
12 .Indecisão (Terrinha)

Sinta a essência aqui.

Madagascar Olodum!

2009-04-27T18:18:00.001-07:00

Quem vê o rumo que o axé tomou não sabe que o que hoje é um ritmo banalizado por suas letras já foram uma poderosa fonte de recursos da cultura negra.
O Olodum nasceu como um bloco de carnaval da cidade de Salvador, em 25 de abril de 1979 durante o período carnavalesco como opção de lazer aos moradores do Maciel-Pelourinho, garantindo-lhes assim, o direito de brincarem o carnaval em um bloco e de forma organizada. É uma Organização não Governamental (ONG) do Movimento Negro Brasileiro.
Desenvolve ações de combate à discriminação racial, estimula a auto-estima e o orgulho dos afro-brasileiros, defende e luta para assegurar os direitos civis e humanos das pessoas marginalizadas, na Bahia e no Brasil.A Escola Olodum tem como missão o desenvolvimento da cidadania e preservação da cultura negra, oferecendo um saber afro brasileiro e novas formas de conhecimentos adicionais àqueles adquiridos no sistema formal de ensino.Esse projeto pioneiro de educação popular afro brasileiro teve origem no projeto Rufar dos Tambores, desenvolvido em 1984, pelo Olodum, composto de aulas gratuita de percussão de bloco afro, e dos cursos afro - brasileiros de curta duração.Inicialmente visava atender uma solicitação da comunidade do Maciel/Pelourinho para que fosse formada uma banda de percussão integrada por crianças e adolescentes do bairro.Eles viviam em situação de risco e vulnerabilidade social e sem perspectivas de integrar-se socialmente por conta do estigma marginal que na época existia contra os moradores da área.

Olodum - Egito Madagascar (1987)

Madagáscar Olodum
Salvador Não Inerte / Ladeira do Pelô
Olodum Florente na Natureza
Raça Negra
Um Povo Comum Pensar
Arco-Íris de Madagáscar
Reggae dos Faraós
Faraó Divindade do Egito
Encantada Nação
Vinheta Cuba-Brasil

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Siba e A Fuloresta

2009-04-26T08:43:00.000-07:00

Nascido na cidade cosmopolita do Recife, em uma família que até hoje mantém sua forte ligação com suas origens rurais, Siba cresceu entre a cidade e o interior, dois mundos que fazem parte de um mesmo todo. Desde seus primeiros contatos com as tradições da Mata Norte, começou uma longa história de aprendizado e colaboração, exercitando ao longo dos anos os fundamentos da poesia ritmada para se tornar um dos principais mestres da nova geração do maracatu e dos cirandeiros. Ao mesmo tempo, como membro da banda Mestre Ambrósio, desenvolveu um estilo musical inovador e singular, da qual o diálogo entre o tradicional e o contemporâneo, o passado e o presente, a rua e o palco são marcas distintas. Após viver em São Paulo por sete anos, Siba voltou para Pernambuco em 2002 para começar a Fuloresta, um grupo formado por músicos tradicionais de Nazaré da Mata, uma pequena cidade com 30 mil habitantes, distante 65 km de Recife. Seu álbum de estréia, “Fuloresta do Samba”, foi gravado com uma unidade móvel perto de Nazaré, e lançado em 2003, seguido de apresentações em todo o Brasil. O grupo também fez três turnês européias entre 2004 e 2006, desenvolvendo com o tempo sua habilidade de adaptar uma música que dura a noite inteira para o formato mais conciso dos palcos. Segundo Siba: “Nunca entendemos nosso passado ou nossas tradições como uma gaiola. Pelo contrário, nossa tradição nos oferece um vasto vocabulário, e nós nos esforçamos para usá-lo todo dia e a noite toda. É impossível reproduzir a maneira como envolvemos toda a comunidade na poesia e nas danças durante a noite toda, mas na hora ou nos 90 minutos que os festivais oferecem temos uma grande oportunidade de mostrar nosso impacto musical”.Saiba mais:
Myspace de Siba e A Fuloresta
Ambulante Discos (Selo que distribui os cds da Fuloresta)

Siba - voz, percussão, sopro
Biu Roque - percussão, voz
Mané Roque – Percussão e voz
Cosmo Antônio – Percussão e voz
Zeca - percussão
Roberto Manoel - trompete
Galego - trombone
Bolinha - tuba

Siba e A Fuloresta - Fuloresta do samba (2003)
01 - Fuloresta do Samba
02 - Bringa
03 - Caluanda
04 - Trincheira da Fuloresta
05 - Suinã
06 - Soldado da Aldeia / Barra do Dia
07 - Bonina
08 - Meu Rio de Samba
09 - Maria, Minha Maria
10 - Sete Estrelo
11 - Vale do Jucá
12 - Poeta Sambador
13 - Tempo
14 - Terra de Reis

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Mato Seco

2009-04-24T21:59:00.000-07:00

Banda formada em meados de 2002 no ABC paulista, sob forte influência da filosofia do bem e da justiça passada de maneira geral através da música reggae ortodoxa (música com sentimento e palavras de sabedoria). MATO SECO, “O estopim para incendiar a babilônia”, surge desenvolvendo um trabalho objetivo e ligado com a verdade do reggae. A resistência à força e a purificação, símbolo da banda, representam alguns dos maiores dons que Deus nos deu, buscando mostrar a todos os homens a verdadeira razão da vinda de cada “EU na terra”. Com música de reflexão e evolução, a fim de conscientizar a todos, para que veja o bom trabalho e glorifiquem o grande pai eterno, se unindo e vivendo prosperamente.

MATO SECO
01 - Brilho Oculto
02 - Mato Seco (Resistência)
03 - Salvação
04 - Visão Moderna
05 - Tudo Nos é Dado (Só Nos Falta Fé)
06 - Não Adianta Correr
07 - Navegantes da Ilusão
08 - Muito Querer
09 - O Que Você Dá Pra Vida
10 - Atentado à Casa de Jah
11 - Hora da Ascenção (Acredite na Canção)

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senha: respiremp3.blogspot.com

Programação do final de semana!

2009-04-24T05:49:00.000-07:00

HOJE, FESTA NO CIRCO!

2° festa na Sercirco: Pista de dança, ambiente cênico, gente interessante, crevejinha geladaça (e baratinha), música de qualidade, performances circenses (claro!), concurso de piadas. O casal brega mais bonito ganha prêmio.

SÁBADO E DOMINGO

Projeto C.H.A.M.A desenvolve o Primeiro Final de Semana da Mídia Livre do Pantanal
Nos dias 25 e 26 de abril acontece na Comunidade Pantanal, área pertencente ao bairro Inácio
Barbosa, no Galpão do Projeto C.H.A.M.A., o primeiro final de Semana da Mídia Livre. O
evento, que acontecerá das 9h às 17h, é uma comemoração do Pinhole Day, que acontece no
dia 26 de abril em países de todo o mundo.
O Pinhole é uma técnica de fotografar que não utiliza lentes, a captação da imagem é feita a
partir de objetos reciclados como lata de alumínio ou caixas de fósforo, e é considerada uma
ferramenta de democratização do acesso a comunicação, uma vez que possibilita o
desenvolvimento da técnica fotográfica a partir de objetos reciclados.
No final de semana da Mídia Livre serão oferecidas, aos moradores da Comunidade Pantanal,
oficinas de Fotografia, com a técnica Pinhole, e também oficina de fanzine, outro importante
produto na luta pela democratização dos meios de comunicação. Os jornais-fanzines são, assim
como as máquinas de pinhole, produtos de comunicação feitos artesanalmente, um jornal
produzido com recorte, colagem e Xerox.
A relevância maior das oficinas está no comprometimento destas não só com o
desenvolvimento/ensino da técnica desses meios de comunicação, muito mais que isso. O
Primeiro Final de Semana da Mídia Livre do Pantanal é um espaço de promoção da
democratização dos meios de comunicação e disseminação da comunicação comunitária e
participativa, onde os educandos refletirão sobre o espaço do sistema comunicacional em
nossa cultura, na nossa cidade e principalmente, no nosso bairro. Questões acerca do espaço
onde vivem serão levantadas e, opiniões e idéias serão construídas a partir da discussão sobre
temas relevantes para a comunidade como meio ambiente e cidadania.
Cada participante das oficinas aprenderá todas as etapas de produção da mídia. Tanto a
produção de textos (do fanzine) e a produção de fotos (em saída fotográfica pela comunidade)
como também aprenderão a produzir as máquinas e os jornais. Uma apropriação midiática,
tanto da técnica quando do conteúdo.
O encerramento das atividades acontece no dia 16 de maio, às 16h, no Galpão C.H.A.M.A,
quando haverá a abertura da exposição As belezas do Pantanal, resultado das fotografias
tiradas pelos educandos das oficinas, e lançamento do fanzine produzido.
Esta é uma iniciativa do projeto C.H.A.M.A em parceria com o Projeto Olhar Cidadão,
idealizado pelo fotógrafo Lúcio Telles, com a Faculdade Sergipana -Faser e objetiva promover a
inclusão participativa de jovens no processo de comunicação gerando mídias comunitárias e
democráticas.

Pensando em tentar a vida na Europa? Leia essa matéria antes!

2009-04-23T06:33:00.000-07:00

Um inquérito promovido pela Agência da União Europeia para os Direitos Fundamentais mostra que a discriminação, a perseguição e as violências de carácter racista estão muito mais espalhadas do que as estatísticas oficiais indicam. Os ciganos e os imigrantes dos países da África subsariana são os que mais sentem na pela a discriminação. Em Portugal o acesso ao crédito bancário ou à compra/aluguel de habitação é o que motiva mais queixas, de ciganos, brasileiros e ucranianos.

O racismo e as discriminações são muito reais na União Europeia, mas as vítimas não apresentam queixa por resignação ou medo. "Existe um problema de racismo em toda a UE e nós apresentamos provas àqueles países que o negam", afirmou Joanna Goodey, da Agência da União Europeia para os Direitos Fundamentais, criada em 2007.
O inquérito foi realizado nos 27 Estados membros junto de 23.500 pessoas imigrantes ou pertencentes a minorias étnicas. 55 por cento dos inquiridos considera ser muito vasta a discriminação no seu país de residência e 37 por cento diz ter sido alvo de um acto de discriminação nos últimos 12 meses, enquanto 12 por cento sofreu um crime racista no último ano (consulte o resumo do estudo).
Só que o número de queixas não reflecte estes dados precisamente porque, de acordo com a maioria dos inquiridos, existe receio de denunciar as discriminações ou a percepção de que de nada serve fazê-lo. Ciganos (47%) e imigrantes da África sub-sariana (41%) são os que mais sentem na pele a discriminação.
Em Portugal, 74% dos brasileiros considera que existe discriminação baseada na etnia ou na origem, tendo a mesma opinião 60 por cento de africanos sub-sarianos. Ciganos e ucranianos também denunciam a discriminação de que são vítimas, principalmente no acesso à habitação e ao crédito bancário.
Mas são as questões laborais que motivam mais queixas em Portugal. Uma discriminação que no relatório é apresentada sobretudo por guineenses, que protestam por serem recusados num emprego devido à etnia. Já os ucranianos sentem-se preteridos em favor dos portugueses quando se trata de uma promoção, e os brasileiros denunciam insultos no trabalho.
Como no resto da Europa, os ciganos são a etnia mais discriminada em Portugal, especialmente quando se trata de alugar e comprar casa, bem como no impedimento de entrada em restaurantes, lojas ou espaços de diversão noturna.

fonte: Esquerda.net

DJ Tudo e a sua Garrafada!

2009-04-23T06:09:00.000-07:00

DJ TUDO é uma das variantes artísticas de Alfredo Bello, músico, pesquisador de cultura tradicional e contemporânea, que mergulha fundo nas atividades ligadas à música desde 1991, tocando com uma infinidade de artistas renomados em nosso cancioneiro popular. Pesquisador tenaz das expressões da tradição popular brasileira, o acervo já contabiliza 800 horas de gravações, sendo o segundo mais importante acervo de Música Tradicional do Brasil. A construção deste vasto material levou à criação do selo Mundo Melhor, com registros de vários grupos populares do Brasil inteiro. Somando esse conhecimento musical ao Baixo Acústico, elétrico, samplers, percussão, teclados e programações, surge o DJ TUDO que se manifesta em busca de novas expressões artísticas, desde tradições folclóricas e populares até a música eletrônica, através de toca discos e laptop, criando uma discotecagem ímpar, interligando e sobrepondo música tradicional e contermporânea/eletrônica de forma única. Desde os anos 90 animava festas na Universidade de Brasília, no ano de 2000, já morando em São Paulo, começou a realizar em Brasília a festa AFROFUTURISMO por sete edições, aos poucos o DJ Tudo foi ficando mais importante como uma forma de divulgar as produções do selo Mundo Melhor de Alfredo Bello, www.selomundomelhor.org e de outros artistas que foram produzidos por Alfredo Bello. Em Junho de 2008 lançou o Cd "GARRAFADA", pelo selo Mundo Melhor, onde tem faixas produzidas em discos de vários artistas como: Junio Barreto, Gero camilo, Luiz Gayotto, Simone Sou, Robertinho Silva, O Grande Barco, remix de Chico Correa e de grupos de Cultura Popular de vários locais do País comos os Índios Pankararu de Pernambuco, Moçambique da Nova Gameleira de BH-MG e Mestre Verdelinho das Alagoas, além de músicas autorais. Desde Julho de 2008 está divulgando o seu CD por várias festas e shows pelo Brasil. Ja passou por Recife, Brasília, Goiás, Rio de Janeiro, São Paulo e Petrolina, como DJ e com a banda mutante GARRAFADA.

Myspace do DJ Tudo

DJ Tudo - Garrafada (2008)
1. Abertura
2. Nossa África
3. Baião de Viola/ É o dedo (com Solymar Cunha)
4. Hilaria (com Luiz Gayotto e Simone Sou)
5. Batucajé (com grupo Batucajé)
6. Rap do Rosário (com a Guarda de Moçamboque da Nova Gameleira)
7. Se ver que vai (com Junio Barreto)
8. Por um Mundo Melhor
9. Verdelinho das Alagoas (com O Grande Barco)
10. Mangangá (com Chico Correa & Eletronic band e Marcelo Monteiro)
11. Em cima daquela serra (com Lourdes de Anora e índios Pankararu)
12. Caniço pensante (com Thera Blue)
13. Desabarágua (com Gero Camilo)

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Até Quando?

2009-04-21T21:54:00.000-07:00

O Brasil foi o último país a abolir a escravidão negra.
O Brasil é o segundo país do mundo em população africana,somente a Nigéria tem mais negros.
Foi também o país que mais importou africanos para serem escravizados...4 milhões.
80% dos negros moram em favelas ou locais insalubres.
87% das crianças fora das escolas são negras.
Somente 47% dos negros concluíram o ensino médio.
Somente 1% dos negros completa a faculdade.
A renda de uma família negra é duas vezes inferior da de uma família branca.
40% dos homens negros são analfabetos, contra 18,5% dos brancos.

Mesmo com o Racismo histórico, somos o país onde mais tradições africanas se reciraram, pois o tráfico trouxe também as suas culturas.Temos a oportunidade de fazermos essas culturas se perpetuarem pois várias Áfricas existem em nossas almas.A nossa música popular tem uma grande dívida com a cultura negra.Todo brasileiro tem a proteção de um deus africano.Em quase todas as cidades do país existem festas públicas para esses deuses.Todo o preconceito contra as religiões de origem africana reside na ignorância e na total falta de conhecimento.Somos muito mais negros e índios do que pensamos, e negamos essa essência.Até quando? ATÉ QUANDO?

(Nossa África, por Dj Tudo)

Adão Dãxalebaradã: Princípio, meio e fim.

2009-04-21T11:10:00.000-07:00

Adão dos Santos Tiago, mais conhecido por seu nome artístico "Dãxalebaradã" (significa na língua yorubá "princípio, meio e fim"), carioca, filho de protestantes, não podia ter contato com crianças que não eram da igreja, nem jogar bola de gude, nem soltar pipa (coisas do diabo, hora bolas!), então Adão, aos cinco ano, começou a brincar de fazer música, na época hinos para igreja. Por causa das constantes agressões do pai, fugiu de casa, indo parar em um reformatório na cidade de Passa Quatro, em Minas Gerais. Foi menino de rua e interno da Febem (Fundação Estadual do Bem Estar do Menor) onde ficou dos 9 aos 17 anos. Logo depois, foi expulso do exército e acabou envolvendo-se com a guerrilha na década de 1970. Envolvido com o tráfico do morro do Cantagalo e assaltos a bancos, o ex-guerrilheiro sobreviveu a muitos tiros nos vários embates e emboscadas com a polícia, e bandidos. Em 1973, quando tentava se afastar do tráfico, trabalhando como mecânico, foi vítima de um assalto, ao reagir e, sem ver que havia outro sujeito atrás, foi alvejado. O tiro o deixou numa cadeira de rodas semiparaplégico (semiparaplégico é o cidadão que consegue andar segurando nas coisas, tomar banho sozinho, etc). Um belo dia o cineasta Walter Salles que havia subido no Morro do Cantagalo, no Rio, à procura de novas expressões artísticas, foi levado à casa de Adão por Luanda, bailarina do projeto Dançando para Não Dançar e filha caçula do sujeito ao qual me refiro nessa postagem. O diretor de Abril Despedaçado ficou impressionado com o compositor, de mais de 500 canções, e o apresentou à sua parceira Daniela Thomas e ao irmão dela, o produtor musical Antônio Pinto (responsável pelas elogiadas trilhas dos filmes "Cidade de Deus", "Abril Despedaçado" e "Central do Brasil"). Walter, Daniela, e principalmente Antônio que ficou obcecado pelo discurso vigoroso e hipnotizado pelo som, decidiram revelar Adão. O resultado é o disco "Escolástica", o documentário "Somos Todos Filhos da Terra" e o "videoclipe Armas e Paz". Dãxalebaradã faleceu em janeiro de 2004 pouco depois de lançar seu único álbum, vítima de uma Hepatite C com infecção generalizada. Além de Compositor Adão foi locutor de rádio (entre 1997 e 1999 apresentou o programa "Zumbi vive", na rádio comunitária do morro em que residia) e ator (em 2002 o cineasta Fernando Meirelles o convidou para atuar com Pai-de-Santo no filme "Cidade de Deus").Fantástica aquela cena em que ele batiza Zé Pequeno.
Para registrar esse tesouro da MPB Antônio gravou Adão cantando e depois acrescentou em estúdio os instrumentos, com gente como o guitarrista Simon Katz (ex-Jamiroquai e hoje no Gorillaz), a CéU. O resultado é um álbum de força incomum, fundamentado no reggae, somado a belas sonoridades afropop e colagens dub que emolduram o discurso político e místico de suas loucas invenções poéticas.

Adão Dãxalebaradã - Escolástica (2003)
01- Doce como um Mel
02- Escolástica
03- Que Mundo é Esse
04- Riquiza e Cultura
05- Semente Violenta
06- Armas e Paz
07- África
08- Computador
09- Luanda
10- Vida Curta
11- Deus é um Negrão
12- Ilalá
13- O Diamante
14- Bibi Lobi
15- Escolástica
16- Xirê
17- Vida Curta Remix**
18- Armas e Paz Remix***

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Coletivo Rádio Cipó

2009-04-21T08:25:00.000-07:00

E pensar que tudo teve início meio que na brincadeira, em 2001. Quando o produtor e músico Carlinhos Vas, mais o engenheiro agrônomo Erik Martinez começaram a brincar com barulhinhos estranhos tirados de um microcomputador. Quem também tava na bagunça eram o radialista e compositor Rato Boy, figurinha das antigas, além do percussionista Luis Bolla. Nesse "conjunto de idéias coletivas", foi um passo pra que a comunidade da Álvaro Adolfo, da Pedreira, entrasse na onda e participasse das ações do grupo. De um tudo faziam. Mas, principalmente, aprendiam. Não parou de chegar moleque desocupado querendo participar das oficinas de percussão e ritmos eletrônicos, ministradas por Carlinhos e Bolla. Quando viram, a coisa tava grande. Domingo era dia de farra na Álvaro Adolfo. Ensaios abertos eram realizados, inserindo um canal de intercomunicação sócio-cultural e proporcionando ações de entretenimento e lazer na comunidade.
O Coletivo Radio Cipó é um núcleo de produção de mídia sonora aliado à tecnologia de áudio digital caseira na produção de pesquisas sonoras experimentais com o objetivo de divulgar essa produção para o Brasil e no exterior. O núcleo do CRC vem produzindo neste projeto músicas de autoria do Mestre Laurentino, Dona Onete, Mestre Bereco do grupo de carimbó Sancari e do próprio Coletivo Radio Cipó. Música feita através da parceria com a comunidade, integrando o popular e o moderno, bem como o urbano e o periférico compreendendo entre si o processo de crescimento e expansão da livre comunicação digital.
Aliado ao pensamento da coletividade, o projeto Coletivo RC vem gradativamente surtindo efeito, no que diz a respeito à mudança na qualidade de vida das pessoas e na sua melhor relação com o seu próprio meio. O CRC realiza, em fase experimental, ensaios livres junto com a comunidade (esses ensaios são realizados nas ruas do bairro da Pedreira), inserindo na periferia um canal de intercomunicação para a produção social, cultural, sonora e de entretenimento.

Musicalmente, podemos definir este projeto como uma fusão de atitudes e ritmos brasileiros e regionais (funk de morro, samba, pontos de terreiros, carimbó, batucadas, etc.) com experimentações sonoras de hip-hop, dub, breakbeats, jungle, ragga, rock, reggae jamaicano . A concepção musical do núcleo de produção é realizar interferência coletiva na cultura regional com a linguagem universal da música eletrônica.

Coletivo Rádio Cipó - Formigando na calçada do Brasil
1. Cowboy Sem Lei
2. Matinha do Cruzeiro
3. Foguete
4. Majey - O Terror do Setor
5. Brasil Especial
6. Me Considera
7. Homem Sem Baralho
8. Planeta Canal
9. Choque Elétrico Piau
10. Maresia
11. Amor Brejeiro
12. Paixão Cabocla
13. Lourinha Americana (versão DUB Mix Prazo de Entrega)

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Bicicletada: Você tem que conhecer!

2009-04-20T06:52:00.000-07:00

A Bicicletada é um movimento iniciado a dez anos em São Francisco nos EUA se alastrando depois para o Brasil e Portugal. Inspirado na Massa Crítica (Critical Mass), onde ciclistas se juntam para reivindicar seu espaço nas ruas. Os principais objetivos da Bicicletada são divulgar a bicicleta como um meio de transporte, criar condições favoráveis para o uso deste veículo e tornar mais ecológicos e sustentáveis os sistemas de transporte de pessoas, principalmente no meio urbano.
A Bicicletada, assim como a Massa Crítica, não tem líderes ou estatutos, o que leva a variações de postura e comportamento de acordo com os participantes de cada localidade ou evento. Algumas Bicicletadas apresentam uma forte postura anti-carros, com faixas, cartazes e comportamento que criticam fortemente não só o uso de veículos motorizados como os próprios motoristas.
O maior mote da Bicicletada é "um carro a menos", usado principalmente para tentar obter um maior respeito dos veículos motorizados que trafegam nas ruas saturadas das grandes cidades.

O que você está esperando para começar a participar da Bicicletada (Critical Mass)?
Por que participar?
Porque atualmente a cidade de Aracaju só oferece condições favoráveis de circulação para quem possui automóvel, o verdadeiro responsável pelos constantes congestionamentos, por 90% do ruído urbano, por 80% da poluição contribuindo nas altas temperaturas da cidade.
Além disso, o crescimento da cidade, sustentado pela frase “Aracaju com jeito de Cidade Grande” faz com que grandes espaços que poderiam ser praças, parques, bosques ou qualquer tipo áreas de lazer ou cultural, para o uso exclusivo de pessoas está sendo substituído por estacionamentos, viadutos, mais vias, pontes e etc.
Como participar?
Para participar, só é preciso aparecer, munido de qualquer meio de transporte não motorizado, valendo até os seus próprios pés!!A bicicletada é gratuita e não exige o uso de capacete!
Nossos encontros acontecem sempre na última sexta-feira do mês das 18 às 20h na Praça do Ciclista, rótula do sinhazinha (divisão das av. Adélia Franco e Hermes Fontes).
Entre em contato:
Blog do Ciclo Urbano - Bicicletada Aracaju
Fórum Bicicletada Aracaju
Comunidade no Orkut
Site nacional da Bicicletada
Apocalipse Motorizado